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Hip-hop sur l’île de La Réunion

BREAKERS magazine — Sun, 25 Jan 2026 14:26:45 +0000

Hip-hop sur l’île de La Réunion

On va s’arrêter sur l’île de La Réunion, île française, mais métisse avant tout. Peuplée par de nombreuses vagues d’immigration africaines, indiennes, européennes, chinoises… C’est une petite île de 2500km2, isolée dans l’Océan Indien, voisine de Madagascar à l’Ouest, et de Maurice à l’Est. Le soleil se lève tôt sur le piton des neiges, sommet le plus haut de l’Océan Indien, et sur les ravines, plaines volcaniques, lagons et cascades. Le vert intense des Hauts brille à la lumière du soleil, rythmé par le souffle de la fumée du feu de bois, sous laquelle le rougail saucisse est en préparation.
Mais l’île intense l’est aussi pour sa culture. La musique et la danse sont partout, dans les maisons, les rues, les bars, sur les plages… elles font tellement partie du quotidien que, le maloya, art musical chanté et dansé majeur à la réunion, tout comme le moring, art guerrier cousin de la capoeira, sont entrés au patrimoine culturel immatériel de l’humanité de l’UNESCO en 2009.

Qu’en est-il de la culture urbaine, du break ? Y a-t-il un lien entre l’importance culturelle et traditionnelle, le fort métissage et le rapport aux cultures urbaines ? Comment le break est-il arrivé au milieu de l’Océan Indien et s’est ensuite développé ? En tout cas, ce que l’on peut affirmer aujourd’hui, c’est que La Réunion est sur la carte du bboying international, et que la culture est encore en
pleine effervescence. Le nombre de danseurs et d’activistes est étonnamment élevé à La Réunion par rapport à la superficie du territoire. A travers les différentes interviews que j’ai pu réaliser, j’ai essayé de reconstituer quelques extraits de l’histoire du bboying réunionnais. La difficulté lorsqu’on parle d’histoire, et surtout dans le monde du Hip-hop, c’est de rester impartial. Je suis parti rencontrer des activistes de la scène breaking aux quatre coins de l’île, qui ont participé au développement du break et qui le représentent aujourd’hui. Pour situer les personnes que j’ai interrogé, un peu de géographie :

SAINT DENIS : Capitale de l’île, au nord. J’y ai rencontré Alex, aka. bboy White Mouse. Il vient du quartier Moufia à Saint Denis. Il lâche son premier 6step au lycée, vers la fin des années 1990. Avec une expérience faite aussi bien en métropole qu’à La Réunion, il voit une énergie, une aura unique au monde dans le break réunionnais.

LE PORT, LA POSSESSION : Nord-Ouest de l’île. J’y rencontre un activiste important pour le Hip-hop réunionnais et de tout l’Océan Indien. Membre du crew Soul City, et fondateur du Battle de l’Ouest, Shany me parle beaucoup du bboying réunionnais, et du rapport
aux arts traditionnels.

SAINT LEU : Ouest de l’île. Connu pour l’iconique Battle Saint- Leu. J’y rencontre Cédric et Child, deux frères qui étaient là dès le début du Hip-hop sur l’île, et qui le revendiquent : « On n’a pas été les meilleurs, mais on était là. »

SAINT PIERRE : Sud de l’île. J’y ai rencontré bboy Red et bboy Flashback, fondateurs de Double Face Crew et du collectif 974 AllStar.

LE TAMPON : Sud de l’île, dans les Hauts. C’est aujourd’hui le berceau des nouvelles générations du Hip-hop réunionnais. Et si ça l’est, c’est grâce à Laurent et Clémence Bérot, fondateurs de l’association Coeur de Rue qui oeuvre depuis 15 ans à former les jeunes générations. Mais si le bboying réunionnais est reconnu à l’international aujourd’hui, c’est aussi grâce au travail de Stan. On lui doit d’avoir emmené les générations prometteuses jusqu’aux Etats Unis, mais on lui doit aussi la création du BBS – Break Battle Sud.

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1. La première génération

L’histoire de l’arrivée du break est différente en fonction de chaque ville de l’île. Les réels débuts du break remontent aux années 1995 – 2000, s’accordent-ils tous à dire. Les premiers pas se sont faits de manière très communautaire, avec très peu d’entraide et liens amicaux entre équipes. Chacun s’entrainait et restait dans son quartier, dans sa ville. « Dans une même ville les équipes ne se connaissaient pas vraiment. » me racontent Child et Cédric. White Mouse renchérit : « On entendait les échos de ce qu’il se passait dans les autres villes, mais on n’y allait rarement, on ne bougeait pas aussi facilement qu’aujourd’hui. »
Ce sont ces mêmes échos qui ont permis au mouvement d’arriver jusqu’au Sud de l’île. Laurent explique : « Ça a débarqué à Saint Denis, la capitale. Nous sur Le Tampon on a un peu eu les
informations en dernier. J’ai l’impression que ça s’est passé comme ça dans chaque pays, ça arrive dans la capitale et ça se véhicule ensuite. ».
Au Nord, vers la capitale, c’était l’influence de la rue, l’odeur du bitume et des halls d’immeubles qui a inspiré les premiers danseurs. A Moufia, quartier de Saint Denis d’où vient White Mouse, la première génération tirait ses inspirations des VHS qui venaient directement de métropole. Un danseur de Moufia nommé Tonton Turbo faisait fréquemment des allers retours et achetait les VHS des
« Battle of the Year », « Freestyle Session Seattle » et les amenait sur Saint Denis. « On saignait les VHS sur le magnétoscope de la salle, c’était notre seule inspiration. » me raconte W.M.
Les premiers timides évènements de quartier apparaissent, permettant aux équipes de chaque ville de se rencontrer et de s’affronter. Les premiers crews iconiques naissent également. On peut citer ECA, Warning Crew, Sexion Radikal, Radioactif, Soul City, Double Face Crew… Les rares rencontres entre équipes d’une même ville ou de villes différentes terminaient souvent en règlement de compte. Red et Flashback m’expliquent qu’il y avait cinq équipes à Saint Pierre à l’époque, mais que toutes se détestaient. « En fait, les gangs de bagarre et les gangs de danse étaient mélangés, donc il y avait
toujours beaucoup de tensions. » ajoutent-ils en racontant : « Une fois on a gagné un battle à Saint Denis, mais c’est tellement parti en bagarre qu’on a dû prendre le bus rapidement avant même de
pouvoir récupérer le trophée. » De cette manière, le break naît aux 4 coins de l’île, une quinzaine d’années après être arrivé en France métropolitaine.
Les inspirations sont rares, les VHS qui arrivent sur l’île sont souvent celles d’événements dépassés de plusieurs années déjà. Peut être ce manque d’accessibilité à l’information a permis au break
réunionnais de se créer une identité qui lui est propre ? Malgré ce retard et la difficulté d’accès à l’information, le mouvement connaît rapidement une émulation. Dans beaucoup de villes, la flamme
pour le Hip-hop prend rapidement.
L’émulation la plus importante et la plus rapide a eu lieu à la ville du Port/Possession, due au contexte social de la ville. Shany m’explique que le Port est une ville construite de toutes pièces. Il y a eu un important brassage culturel car beaucoup de monde a été logé au Port pour, dans un premier temps, construire les infrastructures portuaires, et ensuite devenir dockers. « C’était très dur à l’époque la construction du port, c’était presque l’esclavage encore. Tous ces gens-là, ça a créé des familles qui connaissent vraiment ce qu’est la dureté de la vie. raconte Shany. Le maire de l’époque, Paul Verger, a été visionnaire dans sa façon d’aménager la ville. Avoir un tel nombre d’infrastructures socio culturelles sur une si petite superficie, c’est fort. » De ce fait, beaucoup d’infrastructures sportives, centres de loisirs et d’encadrement sont mis en place, pour favoriser le divertissement par le sport et la culture pour tous ces enfants et adolescents qui sont dans la rue en dehors de l’école. Contrairement à la plupart des communes de l’île ou le break était perçu comme une discipline de cité, de délinquant, il a été bien accueilli au Port : « Si tu es dans une commune ou il y a déjà plein de
sportifs et d’artistes, et qu’en plus la politique communale met l’accent là-dessus, forcément c’est quelque chose qui sera très bien vu. Le Port a grandement joué dans le développement du Hip-hop. » ajoute Shany.
Dans l’Ouest, un lien particulier aux arts traditionnels a permis au breaking de se démocratiser.

2. Dans l’Ouest, le Moring comme tremplin

Le moring est un art guerrier réunionnais, cousin éloigné de la capoeira. Pour comprendre le lien entre le Moring et le Break, Shany m’explique les similarités culturelles et historiques entre les deux disciplines.
La culture Hip-hop est le fruit d’un cadre social et éducatif catastrophique, ainsi d’un brassage culturel important (afroaméricains, latinos, caribéens, africains…) dans les quartiers du Bronx des années 1970. La culture réunionnaise, de la même manière, est puissante et vaste car elle prend ses origines de trois continents : L’Afrique, l’Asie (avec dominante Indienne) et l’Europe. « Quand tu prends le moring, on sait bien que c’est malgache, africain, comorien. Il y a aussi une touche indienne avec la danse Jako. Tout cela a influencé le moring, et ça a influencé aussi le break. ». Il m’explique que, lorsque le moring s’est essoufflé vers 2005, le moring traditionnel réunionnais a été lâché pour un moring codifié réhabilité, plus sportif : « Les gens ont lâché le traditionnel
pour aller vers quelque chose de plus populaire. ». Dans le fond comme dans la forme ces arts se rejoignent : La base du moring comme du break c’est le rond, le cercle. « Le break et le moring sont deux arts initiatiques ou tu apprends les valeurs de la vie, de la culture, de l’humain. C’est initiatique car il ne faut
pas que tu te blesses, le sol est ton ami, mais il est aussi ton ennemi.
C’est un échange entre petits et grands, anciens, moins anciens, filles, garçons, et le public en plus. Ça t’apprend à te challenger. ». Musicalement également, les percussions sont à la base des deux arts. Pour Shany : « La musique du break, comme celle du moring a un impact sur l’homme. Cette musique de percussion met tout le monde, quelle que soit son origine, dans le même état. Il y a un truc qui fait que ce rythme va faire réagir ton intérieur, c’est de
la science naturelle. ». Pour nos bboys de St Leu, Cédric et Child, le moring, dans les années 1990, a servi de tremplin à toute leur génération pour aller vers le break. Ils me racontent que les premiers pas de break qu’ils ont vu étaient réalisés par les moringeurs et capoeristes qui leur donnaient des cours. Ils faisaient du break et du popping, sans mettre de nom dessus. « Le break c’était du popping, et le popping c’était du smurf. La danse au sol n’avait pas de nom,
c’était même appelé du rap. » me racontent-ils. Leurs professeurs, qui effectuaient les premiers mouvements Hip-hop sur l’île, avaient déjà quelques clips vidéo en tête. « Eux ils étaient plus âgés, ils ont vu ça sur l’émission de Sydney H.I.P H.O.P, ils étaient à l’affût du moindre clip. Et il y en a qui partaient en métropole faire leur service militaire et qui revenaient avec des vidéos enregistrées. ».

Au début du break sur l’île, il n’y avait personne pour enseigner quoi que ce soit. Le moring, par sa dimension acrobatique et musicale, rendait visuellement accessible le break et a permis à beaucoup de monde de s’orienter ensuite vers un apprentissage autodidacte de la discipline. « Il faut redonner à César ce qui est à César termine Shany, redonner au moring la reconnaissance qu’il mérite pour l’apport qu’il a eu sur la scène Hip-hop de La Réunion. Ma génération en a conscience, mais les générations qui n’ont pas connu le Battle Saint Leu (fin 2005) ne le savent pas. ».

3. Le break porté par le battle Saint-Leu

En 1999 est né un battle qui a porté toute la génération Hip-hop de l’île de La Réunion et a permis, pour la première fois à travers une compétition, d’unifier toute l’île et de donner un crew qui sera
alors le meilleur crew de la région, c’est le battle Saint-Leu – 100% Hip-hop. Le battle Saint-Leu 100% Hip-hop est un événement qui a été organisé par le Séchoir et le collectif Hip-hop Cool Energy –
de Saint Paul. C’est un événement qui a eu énormément de succès très rapidement car la communication était omniprésente sur l’île.
Le format s’inspirait de celui du BOTY (Battle Of The Year – qui n’était pas encore présent à La Réunion) avec des qualifications chorégraphiques le dimanche matin et des battles crew vs crew
l’après-midi. C’était un battle gratuit qui se déroulait en extérieur, sous un chapiteau dans le parc de la mairie de Saint-Leu.
J’ai l’impression que Child et Cédric ont des frissons quand ils en parlent : « Franchement c’est iconique à La Réunion. Si tu veux savoir ce que ça veut dire quand on te dit « Feel the Vibe », eh ben quand tu es là-bas, tu sens le truc. Tu n’aimes pas ça de base ? L’atmosphère te fait aimer ça. C’est de la bonne concurrence, du vrai Hip-hop. Ça a changé la donne car tout le monde venait là, toute l’île. Dès le matin ça commençait, les danseurs envoyaient tout leur vocabulaire, même hors battle, juste pour te montrer – voilà ce que tu vas te prendre dans la gueule tout à l’heure. Les gars venaient en stop, certains ne savaient pas comment rentrer chez eux le soir. Mais il y avait un tel engouement autour du battle que tout le monde s’en fichait. Ça ne s’arrêtait jamais, le DJ mixait pendant une journée complète. ». « Ce battle a permis aux danseurs d’accéder à cette autre dimension qu’offre la danse. » ajoute Clémence en décrivant cette dimension spirituelle, culturelle du Hip-hop qui est plus grande que la danse en elle-même. Il y avait aussi des crews de métropole invités pour chaque édition, pour juger ou autre : Aktuel Force, Wanted Posse, Vagabond crew… C’est le 1er événement qui a permis à la scène réunionnaise de se mesurer, sous des calls out ou dans les cercles, à un crew qui représentait alors le niveau national français. C’étaient les premiers vrais contacts entre une jeune scène réunionnaise, qui a du retard au niveau national, et le niveau national.

L’époque où le break réunionnais restait très communautaire est révolue. Chaque ville s’affronte désormais grâce au Battle Saint-Leu, et d’autres rares autres événements comme le Battle Petite Ile.
Ces compétitions arrivent sur l’île lorsque le break est en plein essor, la culture repose sur le Battle Saint-Leu et ces collectifs Hip-hop qui structurent la discipline (Cool Energy, MLK…). Mais en 2005, le Battle Saint-Leu ne se renouvelle pas pour une 6ème édition. C’est comme si toute la génération Hip-hop de l’île était accrochée à une ficelle tirée par cet événement, que l’on coupe la ficelle, et que tout s’affaisse. « Comment rebondir après la fin du Battle Saint-Leu ? Tous les organisateurs quittent l’île, on se retrouve comme une génération d’orphelins tout d’un coup. Il y a tout à recréer. ». explique Shany.

4. Tout recréer

Toutes les personnes que j’ai interrogées font partie de cette génération qui a dû relancer la machine réunionnaise. Le break réunionnais nécessitait de la structure, de nouveaux événements pour raviver la flamme et de l’enseignement pour encadrer les jeunes. « Dès les années 2008 on a compris qu’on avait un rôle à jouer et qu’il fallait transmettre, bien transmettre. Il fallait se structurer, s’organiser, se rassembler. Donc c’est ce qu’il s’est passé. » reprend Shany.
Nos bboys Saint-Leusiens témoignent de difficultés à enseigner aux kidz. « Depuis que j’enseigne, je vois que les enfants ont plus de mal à tenir dans la durée, ils n’ont pas la même rigueur. A Saint-Leu c’est très difficile. Une année j’avais bien 70 élèves, je me disais que ça allait bien, il y aura une relève, ça va tenir. Et un jour ils arrêtent. Donc on se remet en question, c’est peut-être ma pédagogie le problème ? Tu discutes avec les autres professeurs des autres villes, tu organises des échanges, des stages pour faire voir autre chose aux enfants, et ça ne les motive pas du tout. » Les méthodes d’enseignement utilisées n’étaient plus en accord avec la réalité sociale des jeunes : « Avec Soul City on a eu quelques échecs au niveau de la transmission aux nouvelles générations, peut être nos méthodes étaient trop old school. Incompatibles avec le contexte familial, la réalité socio-éducative des jeunes d’aujourd’hui. En tant que grand on s’est remis en question : Pourquoi je n’arrive pas à transmettre ? On est de mauvais profs ? » explique Shany.

Dans le Sud, l’association Coeur de Rue, créée en 2008 a vu le jour avec comme objectif de transmettre la culture Hip-hop aux plus jeunes en allant directement proposer leurs services aux écoles primaires. Aujourd’hui, Coeur de Rue agit dans près de la moitié des écoles primaires du Tampon. Le travail a payé, « le Hip-hop Kidz est né au Tampon. Coeur de Rue a formé cette nouvelle génération. » m’explique Clémence. En plus de cela, Coeur de Rue a créé le Kidz Battle Session, évènement dédié à 100% à la nouvelle génération : « Dans chaque commune, les petits savaient désormais qu’il y avait un battle pour eux, qu’ils étaient inclus dans la culture. Cet événement a permis à chaque commune de se dire – Il faut qu’on ait des petits qui représentent notre ville. ». L’événement a aujourd’hui 11 ans, et est de dimension internationale.

Mais il y a quand même 15 ans de retard à rattraper. Comment La Réunion a réussi à rattraper le niveau national, puis international pour s’inscrire dans la carte du break mondial ? Ces quelques années, entre 2005 et 2010, voient également la naissance du Battle de L’Ouest, qui aura pour vocation de réunir
l’Océan Indien, et de nombreux autres événements. Ces années vivent aussi l’arrivée du Battle of The Year – qualification Réunion.

5. Comparaison au niveau national

Les premiers échanges entre La Réunion et la métropole sont restés assez rares jusqu’au milieu des années 2000. Le Battle Saint-Leu a permis d’accueillir les premières équipes métropolitaines reconnues mondialement. Mais jamais un crew réunionnais n’avait été invité à venir représenter sa région dans les grands battles nationaux. Malgré ce manque de contact avec le continent, White Mouse m’explique que le break réunionnais s’est toujours comparé au break français. Et selon lui, l’arrivée du Battle Of The Year – qualifications Réunion a vraiment changé la donne pour la culture.

Le BOTY arrive en 2007 sur l’île. « Le voyage à la clé, ça valait de l’or ! Avant, le voyage était compliqué, donc pouvoir faire une compétition pour partir en métropole, c’était un truc de fou. » me raconte W.M. « Le BOTY a apporté de la rigueur aux équipes, un objectif. » La superficie de l’île, l’isolement et la difficulté d’avoir des informations restreignaient la marge de progression des crews.
W.M m’explique que les premiers crews à être partis en métropole se sont rendu compte de deux choses :
– Les crews de métropole se connaissaient tous entre eux. Les crew de chaque ville ont voulu conquérir leur ville, leur département, leur région, leur pays etc. C’était beaucoup plus vaste en termes de concurrence.
– A l’arrivée des réunionnais aux BOTY France on leur demandait : « Alors c’est vous les meilleurs de l’île, mais vous avez gagné quoi ? » Les crews ne pouvaient se défendre face à la diversité d’événements et l’évolution de la danse de métropole.

Quand La Réunion se comparait sérieusement avec la métropole, la métropole était déjà représentée au niveau international, et ce depuis plusieurs années avec Vagabond, Pokémon crew, Fantastik Armada, Phase T, Legiteam Obstuxion… Clémence témoigne de cette frustration. Elle et Chipie, une
autre bgirl réunionnaise s’étaient qualifiées pour participer au BOTY France après avoir gagné les premières qualifications BOTY Réunion en 2007 : « Alors qu’à La Réunion je battais des garçons, je suis arrivé là-bas et j’étais nulle ! C’était la plus grosse claque de ma vie. Quand je suis revenue à La Réunion je me suis dit – Là il y a un problème, un gros soucis. ».

Dès 2007 raconte Stan, les bboys réunionnais ont fait bonne impression sur la scène nationale. Le crew 100 limites, de Saint Denis a gagné les qualifications réunionnaises et est arrivé dans le top 4 national. 100 limites crew a représenté La Réunion, suivi de peu par Soul City, au début des BOTY et pendant plusieurs années ensuite.
L’arrivée du BOTY a créé un boom sur l’île. Le nombre d’enseignes s’est multiplié en termes d’événements, d’associations etc. C’est la structuration énoncée dans le chapitre précédent qui prend forme. Les villes s’unissent, l’île travaille à s’identifier en tant que région pour aller se représenter à l’international. Ce qui a permis de rattraper ces années de retard est également l’arrivée de YouTube, un internet plus rapide, le développement des échanges entre Réunion et métropole…

6. Qu’en est-il des bgirls ?

Clémence, une des premières bgirl de La Réunion a eu des débuts compliqués, douteux dans le break. « Les gens passaient dans la rue en me voyant m’entrainer et faisaient des remarques du genre “c’est quoi cette délinquante” et le rapportaient à mes parents ». Elle peut comprendre que la mentalité était telle il y a 20 ans, mais regrette que cela n’ait pas changé aujourd’hui. « La mentalité réunionnaise sur les filles est toujours trop restreinte. C’est souvent – le garçon doit faire ça, et la fille fait ça. Les parents ne croient pas en cette discipline pour les filles, elles n’ont pas cette ouverture d’esprit. »
Depuis deux ans, Coeur de Rue met en place un projet pour redynamiser les bgirls. L’objectif est de prendre un groupe de filles, et de faire le même travail qu’avec les garçons : les accompagner, les emmener voir autre chose, et montrer aux parents qu’il faut avoir confiance dans la discipline.

Clémence regrette également cette concurrence mise entre les bgirls de chaque commune. Les filles étant en minorité sur la scène, entourées de garçons : « Pourquoi instaurer cette concurrence entre les filles ? Il faut s’entraider, il faut danser pour l’ile et pas uniquement pour son équipe. »

Toujours dans l’objectif de dynamiser les bgirls, Stan, via BBS, a également participé à mettre en avant la scène : « J’ai fait venir les huit bgirls à la mode du moment. J’ai proposé un 2vs2 ou chaque bgirl internationale faisait équipe avec une bgirl locale. ».

Aujourd’hui, même s’il reste beaucoup de travail à réaliser, on peut citer plusieurs actrices de la scène breaking réunionnaise comme Clems, Chipie, Carla, Alyssa, Mitzy etc.

Conclusion

En plus des personnes interrogées pour la rédaction de cet article, j’ai pu rencontrer beaucoup de bboys et de bgirls, toutes générations confondues à travers l’île. J’ai eu l’occasion d’échanger, de partager avec eux, que ce soit dans la danse ou en discutant. J’ai pu entendre les histoires de conflits et d’amitiés actuelles ou anciennes. Les faits divers légendaires survenus dans certains événements. J’ai rencontré des crews, puis j’ai rencontré leurs rivaux. J’ai rencontré les bboys que l’on connaît tous à l’échelle nationale, et leurs mentors.

Sensiblement, l’histoire du break réunionnais rejoint celle de la genèse du Hip-hop. Dans les cités, les jeunes évoluent dans un cadre social changeant, influencé par les gangs et la rue, ils cherchent une échappatoire et la trouvent dans le Hip-hop, le break. Seulement, dû à l’isolement géographique de l’île, l’histoire commence avec 15 – 20 ans de retard.

C’est aujourd’hui un Hip-hop jeune, qui apprend encore à se connaître et qui cherche à se stabiliser. Certains lui reprochent de manquer encore de créativité et de ne pas connaître son histoire. D’autres regrettent qu’il y ait encore trop de rivalité puérile entre les équipes, qui fait ralentir la progression en tant qu’ensemble. Personnellement, j’ai constaté que le break réunionnais travaille dur pour rattraper son retard. Nombreux sont les acteurs qui forment, encouragent et encadrent des jeunes générations. Ils essayent de leur faire découvrir de nouvelles choses pour alimenter leur passion et atténuer la barrière de l’éloignement géographique, prouvant une nouvelle fois que le Hip-hop n’a pas de limite. Le travail paye avec plusieurs blazes qui raflent les scènes nationales et internationales, en crew ou en solo. Les danseurs et danseuses réunionnais rejoignent fréquemment de grands crews français, apportant leur style unique. Le territoire est en pleine expansion et a tous les ingrédients pour prouver au monde du Hip-hop que le flow de l’Océan Indien a une voix égale à toutes les autres.

Texte par : Tom Chaix. @tomtheunclear

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Skilz – La marque immanquable pour le breaking.

BREAKERS magazine — Mon, 27 Jan 2025 21:07:01 +0000

Skilz – La marque immanquable pour le breaking.

PRESS FOR ENGLISH TEXTS

Depuis l’âge de 13 ans, Artur vit et respire la culture Hip-hop. Membre du crew Deep Trip, il a marqué la scène internationale avec son crew en décrochant notamment la 3ᵉ place au BOTY en 2002. En solo, il a gagné le Red Bull BC One Cypher Switzerland en 2014 et vous l’avez peut-être aussi vu sur vos écrans dans MTV Dance Crew France en 2007 !

Co-fondateur de Groove Academy, l’école de break qui a vu éclore des talents suisses comme B-Boy Lotus ou B-Boy Smile, il est également à l’origine de Groove Session, un battle où des jeunes prodiges se mélangent aux plus grands noms du break actuel pour un 2vs2 unique au monde.

Consultant sur de nombreux projets et défenseur passionné de la communauté du breaking, Artur a lancé en 2024 SKILZ wear, une marque de vêtements qui allie style et fonctionnalité, pensée par et pour les B-Girls et B-Boys. Toujours en quête de nouveaux défis, il partage ici sa vision et les motivations derrière la création de Skilz Wear.

Visitez skilz-wear.com

SKILZ – BORN FROM BREAKING

BREAKERS : Peux-tu nous expliquer comment est née cette marque et ce qu’elle représente ?

Artur : SKILZ est née des valeurs fondamentales du break : innover, créer, et affirmer son style. Je ne connais rien d’autre que le break, il est donc naturel que chaque pièce de la collection soit inspirée par cette culture. Chaque vêtement est conçu pour être à la fois fonctionnel et faciliter la pratique, mais sans compromis sur le style.

L’objectif est d’associer technicité et fonctionnalité à l’esprit du streetwear, pour que chacun puisse s’identifier à la marque et se l’approprier. SKILZ, c’est une invitation à s’exprimer librement, aussi bien sur le dancefloor que dans la vie quotidienne.

Do it your own way? Do it together? Excel by doing it? Ces mots résument-ils la philosophie d’un bboy et le message de la marque ?

A : Oui, ces principes captent l’essence de SKILZ. Notre vision est d’inspirer les personnes à développer leurs compétences avec style et créativité. Nous voulons mettre en valeur les talents et cet art du breaking, tout en proposant des vêtements à la fois pratiques, confortables et adaptés aux bboys et bgirls. Nos valeurs sont simples : innover, s’affirmer, partager et inspirer.

SKILZ cherche à incarner l’équilibre entre l’accomplissement personnel et l’émulation collective.

” Chaque vêtement est conçu pour être à la fois fonctionnel et faciliter la pratique, mais sans compromis sur le style. “

Tout semble réfléchi dans les moindres détails, est-ce intentionnel ?

A : Oui, chaque élément reflète l’essence de SKILZ et du breaking. Le nom anglais «skills» évoque la capacité à développer son vocabulaire à travers ses mouvements, un terme essentiel pour les bboys et bgirls, et il symbolise l’idée d’exceller en pratiquant.

Le logo mélange des symboles forts : le «chequered» lino pour les origines du breaking, le cypher pour l’espace collectif, et des éléments évoquant la pratique du breaking, incarnant l’énergie brute et l’apprentissage par l’action. Le logo intègre également subtilement le «S» de SKILZ. Tout a été pensé pour honorer la culture et offrir une vision inspirante et rassembleuse.

De toutes ces réflexions est née une collection suivant une ligne esthétique reconnaissable. Comment cela s’est-il concrétisé ?

A : Nous avons confié le design à un bboy passionné de mode et de couture. L’idée était de créer des vêtements à la fois stylés et fonctionnels, avec des éléments distinctifs comme l’utilisation des lacets. Ces lacets, emblématiques dans le breaking et souvent utilisés comme ceinture, SKILZ les réinvente et en fait un symbole de la marque, alliant fonctionnalité, originalité et une touche de couleur.

SKILZ est plus qu’un style, que se cache-t-il derrière ?

A : Les bboys et les bgirls sont toujours en quête d’invention, d’innovation pour affiner leurs mouvements et créer des moves uniques. SKILZ transpose cette créativité dans le monde du vêtement. Chaque pièce de la collection intègre des fonctions techniques spécifiques cachées, que nous avons baptisées Rills Tech pour Real Skills Technology. Cette technologie comprend des éléments simples et pratiques, comme des poches discrètes pour ranger des protections pour la tête et les genoux, ainsi que des passants permettant de maintenir en place les lacets qui servent de ceinture.

Ces détails techniques apportent confort et fonctionnalité aux danseurs. De plus, chaque pièce de la collection a été pensée pour répondre aux exigences des personnes en mouvement. Les tissus utilisés sont à la fois résistants et légers, offrant une grande liberté de mouvement. SKILZ a été conçu pour ceux qui recherchent une approche innovante du vêtement, alliant haute qualité, confort et fonctionnalité, tout en respectant les valeurs fondamentales de la culture Hip Hop. Ce n’est pas simplement une question de style, c’est aussi une question de performance et d’adaptabilité, pour ceux qui veulent repousser leurs limites.

” Chaque pièce de la collection a été pensée pour répondre aux exigences des personnes en mouvement. “

Quel est le rêve de SKILZ ?

A : Le rêve de SKILZ est de redonner à la communauté. Nous avons déjà commencé à soutenir la scène suisse autant que possible, et nous espérons pouvoir en faire encore plus à l’avenir.

Sur le plan international, nous avons fait nos premiers pas en sponsorisant Bboy Robb, qui incarne parfaitement les valeurs de la marque.

Fidèle à sa mission de mettre en valeur les compétences de la communauté, SKILZ veut offrir aux jeunes talents et artistes prometteurs l’opportunité d’être sous les projecteurs, en leur donnant la visibilité nécessaire pour lancer leur carrière.

Nous voulons également créer des moments d’émotion et de surprise. Nous avons déjà amorcé ce processus avec l’intervention du Skilzman à Groove Session et quelques pranks.

Nous apprenons tous les jours en mettant nos idées en pratique: excel by doing it!

Texte par : BREAKERS

Photos par : Muriel Rieben

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Shadow Kid – Breaking visual barriers

BREAKERS magazine — Wed, 21 Aug 2024 11:00:51 +0000

Shadow Kid – Breaking visual barriers

PRESS FOR ENGLISH TEXTS

Lorsque l’on évoque le handicap dans la danse, on pense instinctivement à des danseurs diminués physiquement, qui défieraient les lois de la gravité en réinventant leur art, faisant de leur faiblesse une force. Mais jamais ne nous viendrait à l’idée de penser à un danseur aveugle. Et pourtant, c’est dans la jungle urbaine d’Hong Kong que se tapit Shadow Kid, bboy chinois.

Avocat le jour, vengeur masqué la nuit. Rendu aveugle des suites d’un accident traumatisant dans son enfance, Matt Murdock alias Daredevil arpente les rues de Hell’s Kitchen pour les débarrasser de ses criminels et se fie à son ouïe hors du commun pour combler ses déficiences de vue. On dit des personnes qui ont perdu un de leur cinq sens, qu’ils développent instinctivement une acuité surhumaine pour combler ce vide. C’est le cas de Shadow Kid, un bboy unique au monde originaire de Hong Kong, ayant perdu plus de 95% de son acuité visuelle. A l’instar de Daredevil, Shadow Kid a su transformer sa faiblesse en force et, depuis 14 ans, impose son nom sur la scène de breakdance Hongkongaise, avec l’ambition de faire parler de lui dans le monde entier. Rencontre avec un bboy pas comme les autres.

SHADOWKID – BREAKING VISUALS BARRIERS

LA CÉCITÉ CHEZ LES DANSEURS

Cela fait plus de 14 ans que je suis actif sur la scène breaking de Hong Kong, et je n’ai encore jamais rencontré quelqu’un comme moi, quelqu’un qui ait ce handicap. Cela ferait de moi le seul bboy aveugle dans tout Hong Kong, la classe, non ? Ce qui est d’autant plus dingue c’est qu’en creusant un peu je me suis même rendu compte que tous les bboys handicapés que je connaissais sur la scène mondiale présentaient des diminutions physiques mais aucun n’était aveugle. Ce qui fait de moi le seul bboy aveugle de toute la scène internationale en fait ! Etant donné que je suis le seul bboy aveugle, cela implique également que sois le premier, et donc contrairement à mes camarades handicapés qui peuvent puiser de l’inspiration et des exemples chez les anciens, moi je n’ai personne à qui demander conseil, je dois tout inventer et faire par moi-même. C’est d’autant plus frustrant que, là où un type qui rentre des powermoves de folie avec une jambe ou un bras en moins, est tout de suite très impressionnant à voir, moi, mon handicap n’est pas palpable, il ne saute pas aux yeux (sans mauvais jeu de mot). Donc ce que je fais demande des efforts considérables mais ils ne se constatent pas forcément dans ma danse.

Pour apprendre des moves, je mate des heures de vidéo au ralenti, ne serait-ce que pour choper la base du mouvement, mais cela me demande des efforts colossaux. Alors pour palier à ce manque et ne pas trop me fatiguer, je vais surtout faire en sorte de comprendre l’essence du mouvement, puis le travailler à partir de là – plutôt que de l’apprendre de manière très scolaire. Cela m’a permis de mieux comprendre mon corps et sa façon de réagir pour me forger mon style de danse.

Je me suis essayé au yoga, au fitness et à la danse contemporaine ces dernières années, pour ne pas me cantonner à un style. Je me suis rendu compte que chaque discipline possède une façon propre de mouvoir son corps, de l’appréhender. Je trouve cela beaucoup plus simple de prendre pleinement conscience de ton corps lorsque tu es aveugle, qu’en étant en pleine détention de ta vue. Je me dis qu’en étant aveugle, tu te forces à prendre pleinement conscience de ton environnement, tu ne te reposes pas sur la facilité des informations que va te communiquer ton cerveau grâce à ta vue. Ce qui fait les grands champions est selon moi la parfaite combinaison entre la pratique régulière, la conscience que tu vas développer de ton corps et de son fonctionnement, et ta capacité à te remettre en question constamment pour améliorer ta danse. C’est cela qui me rend aujourd’hui compétitif dans les battles de break : j’ai développé une très haute conscience de mon corps, grâce à mon abnégation et à toutes les disciplines sportives auxquelles j’ai pris part.

” Imagine-toi dans un cypher, pour contrôler tes mouvements, c’est déjà compliqué de ne pas se bousculer quand le cercle est petit, mais rajoute à ça une vision diminuée de 95%, c’est vraiment difficile. “

LA CONSCIENCE DE L’ESPACE

Mon handicap a démarré à mes dix ans. J’étais une personne totalement normale avant cela. Je n’ai commencé à danser qu’après mon accident, avant je voyais parfaitement, je jouais même au basket. Un jour mon ami d’enfance, bboy Stamina, m’a montré comment faire un poirier. Je n’ai plus jamais lâché la danse depuis ce jour.

Grâce à mon passif de sportif, j’arrive à me repérer facilement dans l’espace malgré ma cécité, à me situer par rapport aux objets, aux gens et à la distance les séparant. Mon sens de l’espace s’est amélioré après mon accident. En revanche, contrairement à ce que l’on pourrait croire, mes autres sens ne se sont pas développés pour autant, contrairement à Daredevil… J’ai le même odorat, la même ouïe et le même toucher qu’avant.

C’est ce sens de l’espace qui m’accompagne au quotidien et qui est une vraie béquille dans ma vie de tous les jours. C’est elle qui me permet de me repérer, de ne pas rentrer dans les gens quand je marche dans la rue, par exemple. Quand je danse, c’est pareil. Imagine-toi dans un cypher, pour contrôler tes mouvements, c’est déjà compliqué de ne pas se bousculer quand le cercle est petit, mais rajoute à ça une vision diminuée de 95%, c’est vraiment difficile. La musique dicte mes mouvements et c’est sur elle que je me repose pour savoir comment bouger. J’ai l’impression qu’il y a une grande part d’instinct et d’inconscient dans ce que je fais, comme si je me laissais aller à faire confiance à la musique et à mon corps pour me guider dans la danse.

Le truc vraiment dérangeant avec la cécité, c’est qu’en surface, tu n’as aucun handicap visible, donc les gens ne s’attendent pas à ce que tu sois diminué, alors même que je requiers souvent l’aide d’étrangers dans ma vie quotidienne : pour lire le menu au restaurant, m’indiquer le nom d’une rue, prendre les transports… Ils croient que je me moque d’eux alors que j’ai juste besoin d’aide. Chaque jour est une nouvelle épreuve, c’est une charge mentale supplémentaire qui me pèse et que je suis obligé de devoir gérer totalement seul.

Depuis tout à l’heure, mon récit doit sonner très négatif mais ce n’est pas comme cela que je le vis. Evidemment mon quotidien est parsemé de désagréments, mais je les gère en les intégrant à mon quotidien…

ILL ABILITIES – 2020

En 2020, j’ai eu la grande chance de rencontrer le crew de renommée mondiale ILL-Abilities, à Hong Kong. Ils étaient invités par une association locale qui promeut diverses activités auprès des handicapés moteurs. Les membres d’ILL-Abilities cherchaient des bboys locaux pour faire une session et connecter avec la scène Hongkongaise et de fil en aiguille, on s’est retrouvé à faire une grosse session dans le studio de danse d’un ami. Ca a été un moment fondateur pour moi, c’est la première fois que je dansais avec d’autres handicapés, c’était très inspirant. Et puis c’était le ILL-Abilities crew, excusez du peu ! C’est un crew qui a énormément œuvré au niveau mondial pour faire reconnaître le break auprès des handicapés, on leur doit beaucoup.

Le leader de ILL-Abilities s’appelle Lazy Legs et il danse avec ses béquilles ! Tandis que Redo, un hollandais, n’a pas de jambes, lui laissant la possibilité d’avoir son propre style de danse, unique au monde. Comme je le disais tout à l’heure, j’ai également dû moi-même créer mon style étant donné que je n’ai personne de qui m’inspirer. Mais être témoin de la force et de l’abnégation des membres de ce crew m’a inspiré en plus de me mettre du baume au cœur et me donner la confiance et la force pour continuer.

Le truc de fou c’est que, malgré leurs handicaps, les membres de ce crew participent aux mêmes compétitions que les bboys normaux, et sont au niveau ! Ce que je veux dire c’est qu’il n’y a pas de discrimination positive au sein des juges et arbitres : ce n’est pas parce que qu’ils sont handicapés qu’ils sont avantagés au moment de la décision, ce qui rend leurs victoires justes et belles.

Je parlais à Redo et lui avais demandé comment il vivait ses tracas quotidiens avec ce handicap. Ce à quoi il m’avait répondu, le plus simplement du monde : « Ce n’est pas grande chose honnêtement. » C’est à ce moment que j’ai compris que c’est à chacun de choisir comment on vit son handicap : pour lui ce n’était rien, juste une autre façon de vivre, simplement. Tous les membres de ce crew sont hyper positifs concernant leurs handicaps, qu’ils ne voient même pas comme des obstacles au quotidien mais simplement des différences à prendre en compte dans leur vie. J’ai eu beaucoup de mal à accepter ma quasi-cécité et surtout à vivre avec, mais jamais elle ne m’a empêché de rêver et de faire en sorte d’atteindre mes objectifs. Mais voir les membres d’ILL-Abilities tenir un discours aussi optimiste et comprendre que leurs diminutions physiques ne représentaient pas une barrière pour eux, ça a été un tournant dans ma vie, vraiment. Je vis désormais en appliquant leur vision de la vie : pas d’excuses, pas de limites.

J’adorerai collaborer avec eux dans le futur.

” Ils croient que je me moque d’eux alors que j’ai juste besoin d’aide. “

18 DISTRICT BATTLE

Le moment le plus marquant dans ma vie a sûrement été le 18 District Battle, à Hong Kong. C’était la première fois qu’un battle de cette envergure prenait part dans la ville, un battle où chacun des 18 quartiers de la ville était représenté par un crew qui défendait son territoire.
Etant donné que je n’ai plus de crew, j’étais très enthousiaste à l’idée de participer au battle avec mes amis de toujours. Je pense que de très solides amitiés se forment à travers le break : tu rencontres des danseurs, vous dansez ensemble, et souvent ils deviennent tes amis avec le temps. Le quartier duquel je viens – Tung Chung – c’est une petite île à l’ouest du centre de Hong Kong et les amis avec lesquels je danse, je les connais depuis toujours, bien avant de commencer à danser. C’est pour ça que ce battle avait une saveur particulière pour moi : ce n’était pas qu’une question de danse, mais aussi et surtout d’amitié, de fraternité, un vrai sentiment d’appartenance. Il y avait un défi supplémentaire : notre quartier est un peu excentré et on n’est pas totalement intégré à la densité de la vie Hongkongaise, alors c’était également l’occasion de montrer que, malgré notre éloignement, on faisait partie des bboys les plus chauds de la ville !

Malheureusement, quelques jours avant le battle, je me suis blessé dans le dos, un truc sérieux. J’ai remis en question ma participation à ce battle, mais on s’était tellement entraînés, on avait tellement travaillé, je ne pouvais pas louper ça. Alors j’ai consulté un kiné spécialisé, et j’ai fait des séances d’étirements surhumains pendant toute la semaine précédent le battle, de sorte à ne pas aggraver ma blessure….
Ce battle, je ne l’oublierai jamais. Sur les 18 équipes participantes, et malgré ma blessure, nous nous sommes hissés jusqu’aux demi-finales. J’ai réussi à rentrer tous les powermoves et tous les freezes que je voulais, malgré ma blessure, je me suis surpassé. Je pense que j’étais porté par tout l’amour et le soutien que je recevais de mes potes, de mon quartier. Tout le monde était derrière moi.

Avec mon handicap, j’ai toujours besoin d’avoir quelqu’un de valide avec moi, ne serait-ce que pour me dire qui a gagné le battle… Des fois je n’arrive pas à voir la décision des juges. De temps en temps je ne sais même pas contre qui je danse avant de reconnaître le style du danseur, ou même quand je regarde les vidéos quelques temps après. Donc heureusement que mes amis sont là pour m’aider et me guider. J’aimerai remercier toute ma famille de Tung Chung pour leur amour et soutien depuis tant d’années, dans et en dehors de la scène break d’Hong Kong. C’est aussi grâce à eux que ce battle a été tellement important pour moi.

Texte par : Erryl Ho

Photos par : Ape Kay. @aka.apekay

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Nacera – Talks #4 – Qu’est-ce que le break ?

BREAKERS magazine — Tue, 23 May 2023 08:43:29 +0000

Nacera – Talks #4 – Qu’est-ce que le break ?

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Nacera est une réelle activiste. Présente dans le milieu du breaking et du Hip-hop français depuis plus de 30 ans, elle a traversé les générations en gardant une prestance et un charisme reconnu de tous. A l’origine de l’historique événement Just 4 Rockers, elle revient sur sa définition de la danse, du Hip-hop de la vie.

Pour cet article, nous lui avons donc demandé ce qu’est le break ? Quel en est sa définition ?

Partie 1

Partie 2

Partie 3

Partie 1 : Le break est un personnage.

“Le break est un personnage qui t’accompagne et t’aide à te découvrir tout au long de l’apprentissage et de la pratique. C’est un outil qui t’aide à t’explorer toi-même à travers les relations que tu mènes avec les autres. C’est quelque chose que tu ne peux vivre seul, la question de partage, de communauté est centrale. Ce n’est pas étonnant que ce mot, communauté, traverse les âges malgré le fait que les tendances changent.

On a tendance à définir le break et la communauté Hip-hop avec leur motto : Peace, Love, Unity and Having Fun, mais en réalité, la manière dont on évolue dans le break nous fait vivre autant de choses positives que de choses négatives – pour nous permettre d’apprendre. Le fait d’être confronté aux modes de fonctionnement des autres, qui vivent et partagent avec nous le même art, nous permet de nous positionner inconsciemment et de nous forger un avis personnel sur un ensemble de sujets sociétaux et de valeurs : l’égo, l’honnêteté, la loyauté, le partage, notre façon d’agir face à l’injustice etc. C’est une philosophie dans laquelle on va s’identifier qui va nous définir et que l’on va peaufiner en fonction de nos expériences, rencontres, pour donner une version de nous-même, notre identité. C’est notre identité ensuite qui va définir comment on souhaite s’investir dans ce milieu-là, pour notre art ; si par exemple on souhaite le consommer ou le faire grandir ; si on souhaite être acteur, suiveur ou leader.

On a aussi tendance à penser qu’on est une communauté qui arrive à s’affranchir de la société et rester marginale. C’est vrai qu’on a nos règles, mais je ne pense pas pour autant qu’on ait vraiment une immense liberté dans notre art. C’est quelque chose que l’on vit en communauté, on a juste une manière différente d’appréhender la société, avec nos codes. Les valeurs que je vois chez les bboys et bgirls en fonction des générations restent étroitement liées à la société actuelle, tout comme le mode de consommation du break et de la culture : individualisme, uniformisation des choses et des pensées, ultra commercialisation et consommation règnent aujourd’hui. Les revendications ont changé, le « pourquoi » on est dans cette culture aussi.

Je ne pense pas que ma définition et ma manière de vivre le break soient représentatifs d’une époque particulière. Seulement, j’ai un idéal de société et de communauté, donc je reste fidèle et intransigeante sur certaines valeurs. En plus de 30 ans de présence active dans ce milieu, j’ai pu observer que les valeurs qui lient la communauté ne changent pas fondamentalement, elles se traduisent juste différemment. La vérité c’est qu’entre aujourd’hui et il y a 30 ans, rien ne nous sépare. Nous cherchons tous la même chose : être respecté, s’amuser, danser, et avant tout, on cherche du sens à ce que l’on fait. Nous sommes les mêmes générations, juste dans des contextes différents qui nous influencent. Vouloir surconsommer la culture, les mouvements, vouloir être invité, suivi etc. traduit une certaine souffrance, un manque de sens à mon goût. Le génie et le talent est banalisé et semble être accessible à tous, or il n’est pas donné à tout le monde. On a pas tous la possibilité de le voir. Du coup, aujourd’hui le banal est plébicité.”

“Nous cherchons tous la même chose : être respecté, s’amuser, danser, et avant tout, on cherche du sens à ce que l’on fait.”

Partie 2 : Le break comme mémoire.

“C’est un art, c’est un lifestyle, c’est quelque chose que l’on ne peut désolidariser de son socle. On ne peut définir le break sans avoir une appréciation globale du Hip-hop. Ce n’est pas un problème si les choses se popularisent et se spécialisent à partir du moment où chacun sait d’où cela vient, et quelles valeurs il doit porter.

Je suis d’origine algérienne. Dans nos familles, on aime bien notre drapeau, on nous explique très jeunes d’où l’on vient, ce qu’il y a dans notre pays, on nous parle beaucoup d’héritage, de culture. On nous explique aussi ce qu’il s’y est passé etc. Donc très jeune j’ai été sensibilisée à la politique, à la notion d’appartenance etc.
Lorsqu’on est dans le break, dans le Hip-hop, que l’on embrasse une culture qui n’est pas la nôtre de base, qui vient d’un endroit qui n’est pas chez nous, la moindre des choses c’est d’essayer de comprendre qui sont les gens qui ont créé ce mouvement, et qu’est-ce qui nous donne l’impression d’avoir un lien avec tout cela. Le Hip-hop à accueilli tout le monde, toutes les personnes que tout oppose, alors qu’est-ce qui fait que cette énergie nous parle à tous ?
Si moi aujourd’hui je juge, je danse, je voyage, c’est parce que des gens qui ont sacrifié beaucoup ont inventé quelque chose de beaucoup plus profond que simplement être jury, être invité pour danser. Et c’est sur cela qu’il faut s’interroger, sur le sens de tout ça. Ce qui compte n’est pas la notoriété ou la popularité mais l’art lui-même.”

Partie 3 : Le break, c’est les footworks.

“Au-delà de cette vision philosophie, de manière beaucoup plus terre-à-terre, qu’est-ce que le break ? Ce sont les footworks. C’est le rapport à la musique, la fête, l’esthétique. Dans quel milieu les bboys et les bgirls se retrouvent entre amoureux de la culture pour créer et évoluer ? Le break s’épanoui et se créé dans les jams, c’est là qu’il est le plus spontané. Le break c’est une danse, une attitude, une façon d’exprimer son esprit dans un mouvement. C’est une danse infinie.
Le break c’est une manière de se tenir, de se mouvoir et de se revendiquer.”

PART 1

Breaking is like a character that accompanies you in order to discover yourself. It is a tool that helps you explore yourself through the relationships you have with others. It is something you cannot do alone; the question of sharing and community is central. It is no wonder that the word “community” has lasted through the ages, despite changing trends.

We tend to define breaking and the hip-hop community with their motto: Peace, Love, Unity, and Having Fun, but in reality, the way we evolve in breaking makes us experience as many positive things as negative things. The fact that we are confronted with the functioning modes of others who live the same art we do allows us to position ourselves unconsciously and to form personal opinions on a set of subjects and values: the ego, honesty, loyalty, sharing, our way of acting in the face of injustice, etc. It is a philosophy that we will enter that will define us and that we will refine according to our mistakes, experiences, encounters, to give a version of ourselves, our identity. It is our identity that will then define how we want to invest ourselves in this environment for our art: whether we want to consume it or make it grow; whether we want to be a participant, follower, or leader.

We also tend to think that we are a community that manages to free itself from society and remain marginal. It is true that we have our own rules, but I do not think that we really have immense freedom in our art. It is something that we live in a community, and we just have a different way of understanding society with our own codes. The values that I see in bboys and bgirls according to their respective generations remain closely linked to today’s society, as does the mode of consumption of breaking and culture: individualism, standardization of things, over-marketing, and consumption reign today. Demands and aspirations have changed, and the “why” we are in this culture has also changed.

I do not think my definition and my way of living breaking are representative of a particular era. Only, I have an ideal of society and community, so I remain faithful and uncompromising on certain values. In more than 30 years of active presence in this scene, I have observed that the values that bind the community do not fundamentally change; they just translate differently. The truth is that between today and 30 years ago, nothing separates us. We are all looking for the same thing: to be respected, to have fun, to dance, and above all, we look for meaning in what we do. We are the same generations, just operating in different contexts that influence us. Wanting to over-consume culture, movements, wanting to be invited, followed, etc., reflects a certain form of suffering, a lack of meaning. Genius and talent have become trivialized and seem to be accessible to everyone, when in fact they are not given to everyone. Not everyone has the opportunity to see it. As a result, today the ordinary is praised.

PART 2

It is an art, it is a lifestyle, it is something that cannot be detached from its base. You can’t define breaking without having an overall appreciation for hip-hop as a whole. It is not a problem if things become popular and specialized as long as everyone knows where it comes from and what values it must carry.

I am of Algerian origin. At home, we love our flag, and from a young age, we are told about our roots, our country, our heritage, and culture. We are told stories about these things, so at a very young age, I was made aware of politics, the notion of belonging, and more.

When we embrace hip-hop and breaking, a culture that is not our own and comes from a place that is not home, the least we can do is try to understand who the people are who created this movement and what gives us the impression of having a connection with all of it. Hip-hop has welcomed everyone, regardless of their background, so what makes this energy speak to us all?

If today I judge, dance, and travel, it is because people who have sacrificed much have invented something much deeper than simply being a judge or being invited to dance. That’s what we need to ask ourselves—the meaning of it all. What matters is not fame or popularity but the art itself.

PART 3

Beyond all this, in a much more down-to-earth way, what is breaking? It’s footwork. It’s the relationship to music, the party, and the aesthetics. In what environment do bboys and bgirls find themselves among culture enthusiasts to create and evolve? Breaking blossoms and is created in jams, that’s where it’s the most spontaneous. Breaking is a dance, an attitude, a way of expressing one’s spirit in movement. It is an endless dance. Breaking is a way of standing, moving, and asserting oneself.

Français

Interview : Nacera. @j4rockers.hurrikn

Texte par : Tom Chaix. @tomrockk

Photos par : Hicham Boulehfa. @jeuneflingue

Sebastián Esguerra. @__aburridx__

Stylisme : Hat by Loan Poulmarc’h. @loan_plm @1vasion_wrld

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Hip-hop sur l’île de La Réunion

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Conclusion

Skilz – La marque immanquable pour le breaking.

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Shadow Kid – Breaking visual barriers

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Nacera – Talks #4 – Qu’est-ce que le break ?

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Partie 1 : Le break est un personnage.

Partie 2 : Le break comme mémoire.

Partie 3 : Le break, c’est les footworks.

PART 1

PART 2

PART 3

Welcome to bboy Lilou.

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Les multiples vies de Niko Noki.

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NIKO ET LES DEBUTS, TOUT DEBUTS DU HIP-HOP FRANCAIS

NIKO EN ITALIE

« J’avais comme unique base le fait que j’écoutais de la musique H24, mais je n’avais aucune notion de la construction musicale, de la compréhension du matériel. »

NIKO COMPOSE

NIKO EXPLIQUE

Vidéo : Hip-hop in 1 word.