CinnamonStickz, is it breakable?
A silly question to ask? Is this breakable? Often when I see a surface I instinctively know whether or not my palms will be sandpaper once I’m done, or if I’m lucky and strike gold a spot might even welcome a windmill. I walk around London and am constantly scanning the area to find interesting places to throw down. But perhaps there is more to this question than the texture of the floor? Perhaps you’re asking yourself why a B-boy or B-girl would even ask this. Why not be in the studio with a polished sprung floor, cucumber water and 1000 mirrors surrounding you to bask in all your talent?
When I first took up breaking at 11 I had access all week to a studio at the YMCA. Large mirrors, speakers and even a collection of gymnastics mats provided my crew and I with a great space to train in. I worked for 7 years until something faded away. As if I had hit my ceiling at the time, I felt like my musical style was irrelevant, I lost a spark. But the truth is, I didn’t hit my ceiling, I simply lost touch with the essence of Hip-Hop. My knowledge of the culture was limited, my sense of artistic expression at the time was undeveloped.
Although I had the great privilege of access to a free, clean, comprehensive rehearsal space, something about my opinion on Breaking collapsed my interest, training became flat and repetitive, I lost my voice so to speak. But here I find myself, in 2021, writing this story to share my unusual road back to the break. To tell you all I have fallen back in love and I’ll never be ashamed to admit it again! Since 2019, my best resource has been my wit, like a Hip-Hop nomad I have been roaming, traversing the city of London, discovering new perspectives on the spirit of Hip-Hop what it means to break, embracing the city landscape.
Dragging myself through the trenches of the internet, like a private detective looking for a lead, I searched for places, community projects or a secretly established rendezvous to dance at. A Facebook group: ‘The Royal Festival Hall cloakroom’ which had posted a timetable for rehearsals throughout the month revealed itself and immediately I was intrigued. There were no photos so I had a weird thought that I might be shut away in a wardrobe, headphones in, trying to thread and spin whilst staff gathered peoples belongings. But upon arrival, I was pleasantly relieved. A grand building on the face of the Southbank of the Thames, The Royal Festival Hall is a concert venue where various exhibitions and performances take place week-in week-out. Its cloakroom is located just below the main entrance floor and is far from a foggy closet. It rolls nearly the length of the building with balconies from the main 1st floor overlooking its stretch. A community project that provides this space from 10 AM-5 PM throughout the month, dancers from all walks of style utilise it. I thought there was no need to ask ‘’Is this breakable?’’, my first few steps made me believe I was royalty treading across a smooth marble stone floor. But soon realised that though smooth, the floor is actually extremely dense. It may be an innate consequence of breaking, the fact you are throwing your body around the floor you have to expect it will take a beating from time to time. But I found here, my initial impression that I was royalty was not quite true as the stone floor can be extremely unforgiving. Knee pads; essential, as well as extra layers for working across your back and transitioning, but this could be said about anywhere outside a studio floor. With this another issue arises, my body’s need for perspiration. With two jumpers on (to avoid hammering bones), after a couple of sets, it appears I have been swimming, when in fact all I was trying to do was get from swipe to flare to windmill. I find myself overheating indoors wrapped up this way. Tiring myself out sooner than planned and cutting training short by 30-45 minutes on a bad day. But what can I do? My body no longer has the elasticity of a 15-year-old, fearless who knows no pain (but even back then I had dance mats). I need the padding, I’m only 25 but sometimes I am left feeling 52. I’ve also been out so long from intensive training, if only there was some Limitless style breaking pill to turn my body IQ to 1000. Maybe a studio with a sprung floor is essential? I think… Maybe I do need air conditioning and energy vitamin cucumber boost drink thing! But would I get the same sense of spontaneity?
At the Royal Festival Cloakroom, I crossed paths with so many new styles. I could observe house, ballroom, litefeet, popping… You name it, the styles are there and everyone observes and appreciates the kind of liminal space they are in together. There is a relaxed, thoughtful atmosphere at this spot, good to zone into your own world and quietly feed off others’ energy around you. The Royal Festival Hall is ideal for the periods it’s open, but isn’t always reliable with events taking over unannounced at times, meaning you travel an hour into central only to discover you can’t enter. But it is inside, meaning it’s accessible despite the weather, us goers are thankful for this space. This privilege can not be said for all spaces though.
Exchange House, a commercial tower just off of the bustling Liverpool Street where at its base sits sheltered plaza space. Though undercover it is still somewhat seasonal, the UK has the most unpredictable weather (The joke is that it’s basically all we talk about over here, but perhaps there’s too much truth to that for it to actually be a joke). Winter months get bitter to, especially with skyscraper districts in London that channel the cold winds in. Coming into winter whilst writing this piece my photographs reflect its current abandoned nature. But the periods of the year it is used, Exchange House’s beauty comes in how it sits in the balance of the world. One moment a corner no one would look twice into, an hour later flooded with Breakers from all walks of life. Whereas The Royal Festival Hall cloakroom space was established by the Southbank Centre and advertised through social media channels, Junction House is effectively an enigma in terms of officiality. There is no public information or set schedule of practice times, but the breaking community here in London have somehow claimed it as their own, as if Hip-Hop stumbled by and said ‘’This will be our living room, our cypher zone!’’ You can almost guarantee to find a handful of people here each night throughout the week, an extensive, diverse community. You get the feeling at Exchange House that everyone is welcome, regardless of skill or background. Every time someone arrives or departs they will walk around and knock fists with every single person present, whether they really even know them or not, it became apparent to me that respect should be something simply understood. There is such an open sense of community, whether an individual or crew, everyone is training around each other and together the spot effectively becomes an unofficial jam, but without the pressure. It’s the essence of what we do. I recognised Junction House as a spot where the true essence of Hip-Hop naturally broke through. Is this breakable? There was a time when the plaza at the foot of Exchange House was simply somewhere for accountants and office moguls to pass through, perhaps perch on a wall and eat their supermarket lunch. Now, it’s a place where if you want to cypher, guaranteed there will be a handful of others to meet you there to join the conversation, no matter where you’re from, you are all connected through the need to break. After all, who’s to say it’s a coincidence it’s called Exchange house?
Occasionally utilising said spots throughout the year gave me a good facility to test my body, but it wasn’t until the tail end of 2019 I decided to take up training breaking full time again (I have a gift for timing). The introduction of COVID-19 implemented lockdowns around the world, shutting people apart, meaning these discovered spots were closed and futhermore congregating in groups was prohibited. This meant most trained at home in turned out living rooms. I left London for a few months, stayed at home in the quiet countryside, turning my Mum’s kitchen into Tom’s battleground, you couldn’t enter without being called out. But Hip Hop felt very alive in me, and the more I trained the more I thought about the roots of the culture, how in the 70’s kids just started breaking on street corners to announce themselves. It was born and eventually grew to The Mighty Zulu Kingz and Rock Steady. But think, back then there was no prize money or international competitions, this was pure self-expression and representation of the self. A city as big as London can be oddly isolating at times, even more so during the lockdown, knowing you’re surrounded by so much yet nothing is open, it’s frustrating. But the time came to return to my South London flat and I could not let anything stop me. It rang around my mind, how they would take to the streets and just dance, how strangely captivating that could be! I felt like this was where breaking belonged, the amazing visual irony of throwing down on the street where people just walk or go about their day. To break that rhythm, that social conduct, how exciting that could be. I was still gathering the confidence to own my style, I saw solitude as an opportunity to do just that. One day, I was, as usual, casually pondering my existence and somewhere along the line arrived at the absurd idea of what dancing in itself is. I came up with a kind of mantra :
« To honestly feel (the music). To enjoy what is unique to you (your body). To express that, how you must (the mind). »
That meant even if the environment wasn’t ideal, the ideal I had just established must remain true, regardless of the environment. This was my Hip-Hop. So I asked myself why not try something different, somewhere different?
Brockwell Park, a vast circular recreation ground with winding paths leading up to a cafe and seating areas on top of a hill. For a whole year, It was effectively my back garden. At random times, throughout a 6-month stretch, you could catch me, Cinnamonstickz, throwing down some funk, all from up top. To ask if this surface was breakable is to ask whether cheese grates against a waxed surfboard, (come to think of it, cheese actually would grate well against this surface) it’s pure tarmac. So unless you have some kind of thick reptilian skin this is not the place to go on your back. I had a concept of approach and decided I was going to strictly toprock. This meant to ask something new when saying Is this breakable? Concerned about my quality of movement in the upper half of my body, asking how that related to what my feet were doing simultaneously, toprock is the introduction to your style and for me personally it became the most important factor in my dance. I wanted to reflect my sense of play and imagination, I wanted my toprock to be captivating, inventive, original. I started searching for theatrical elements to tell a story almost Shakespearean, to truly cultivate my own original style.
A bench in the park – sounds standard perhaps, but this spot was home to the Brockwell clock tower, my beautiful green friend whose arms constantly malfunctioned for days on end, making my sessions timeless. I didn’t take much notice of this detail to begin with.
But as the residents of south London would go about their daily strolls, they would stop and observe me. I began to notice the flow of daily life made the space ever-changing. I remember always wondering as I walked over, who might be sitting there? Would music already be playing, louder than I could play mine? Is the sun breaking through that perfect gap in the tree line? The green clock tower became more than a temporary place to sit, in my world, it was glorious ground to play and create. I enjoyed the enigmatic energy I put out, was I truly insane or simply free? Though at times some did not care for my presence, in fact, I’m sure they made it their mission to disrupt my flow by walking directly through my space whilst I was in the middle of a set (a problem you don’t get at more established spots). But even this would not deter me, I’d use it as an opportunity to clown on them as if they called me out in the cypher, throw a burn their way. On the weekend, groups would sit close by and Jam with instruments. From Jazz to Latin they’d provide me with new musical accents and rhythms, which of course became more ingredients of spontaneity to experiment with.
As you can tell by my statement, dancing is largely a spiritual practice for me. So most of the time whatever was going on in the park around me only mattered when I stopped in intervals to observe it. But these moments of reflection created a type of catharsis in me that then translated into my movement. This leads me back to my Shakespearian self,
‘’To honestly feel (the music). Enjoy what is unique to you (your body), then to express that, how you must (the mind).’’
Perhaps it’s what I think Hip-Hop is all about. Although this spot would not be where most people would choose to train, it became where I felt like I progressed the most. Not because I was pulling off crazy new combos, but because I found true comfort in my style, I was having fun, I was inspired! This was where I found my voice, despite the ground, I discovered it was in fact breakable.
And so I discovered a new angle on my question Is this breakable? Before it related only on a physical level, is the ground beneath me accommodating to breaking? I slowly realised the true nature of my idea was in fact asking ‘’Can I break through? Is there a breakthrough here?’’ Instead of looking at the space in front of me and asking what it can do for me, I started asking what I can do with it, how I can breakthrough. Just as those before us have done with every aspect of this culture. What must I adapt about my style, my approach, my physicality, my mentality? Accessibility for artists is a common struggle, whether it’s location, time, financial etc. But often some of the best work is produced under limited circumstances and this is exactly what my question poses. Is this breakable? Is a challenge to overcome, to explore and not be defined by the perceived limits. Doing what Hip-Hop does best by taking what is established and flipping it. There is no one way to break and I believe finding your own style brings true fulfilment to your artistry. The question asks you to own the feeling inside of you, allowing that to respond to the world outside of you and using that intuition to cultivate your creativity. This is what I believe Hip-Hop is at its core.
So take the phrase, go out in the world and explore, there is somewhere for you just waiting to be claimed. Heck, instead of a lino mat, why not see who else owns a copy of Breakers, glue together 15-20 copies and ask yourself, is this breakable?
Est-ce une question idiote à poser ? Est-ce breakable ? Reflexe de breaker, lorsque je vois une surface, un sol, je sais instinctivement si la paume de mes mains ressemblera à du papier de verre à la fin de ma session, ou alors, si je suis chanceux et que je trouve le spot en or, je sais d’emblée si je vais pouvoir throw down, envoyer une coupole, un thomas. A chaque fois que je me promène dans Londres, je scrute constamment les environs à la recherche d’endroits intéressants où me jeter. Je me demande toujours : est-ce breakable ? Et si, à première vue, on pourrait croire que cette question trouve sa réponse uniquement dans le revêtement du sol et sa capacité à accueillir des figures, c’est en fait toute une philosophie du break qui se cache derrière. Vous vous demandez peut-être pourquoi un B-boy ou une B-girl se pose cette question. Pourquoi ne pas être dans un studio au sol lisse et accueillant, entouré de mille miroirs flattant notre égo ?
Lorsque j’ai commencé le Break à 11 ans, j’avais accès toute la semaine à un studio au YMCA. De grands miroirs, des haut-parleurs et même une collection de tapis de gym nous offraient, à mon équipe et à moi, un grand espace pour nous entraîner. Je m’y suis entrainé pendant 7 ans jusqu’à ce que quelque chose dans ma danse s’estompe. Comme si j’avais atteint mon plafond à l’époque, j’avais l’impression que mon style musical n’était plus pertinent, que j’avais perdu l’étincelle. Mais en réalité, je n’avais pas atteint ma limite, j’avais simplement perdu le contact avec l’essence du Hip-hop. Ma connaissance de la culture était limitée, mon sens de l’expression artistique n’était pas développé à l’époque. Bien que j’ai eu le grand privilège d’avoir accès à un espace de répétition gratuit, propre et complet, quelque chose sur ma vision du Break était erroné et a mis fin à mon intérêt, l’entraînement était devenu plat et répétitif. J’avais perdu ma voix pour ainsi dire. Et dix ans plus tard, voilà où j’en suis, à relater mon aventure dans le hip-hop, pour vous conter mon retour atypique à ce premier amour. Pour vous dire à tous que je suis retombé amoureux et que jamais plus je ne ferai d’infidélités au break ! Depuis 2019, ma meilleure ressource a été mon esprit. Comme un nomade du Hip-hop, j’ai erré, traversé la ville, découvert de nouvelles perspectives sur l’esprit du Hip-hop, sur ce que signifie le Break, embrassant le paysage urbain.
Lorsque je me suis remis à breaker, à retrouver goût à la discipline, j’ai commencé par chercher sur Internet, tel un détective privé à la recherche d’une piste, des lieux, des projets communautaires ou des rendez-vous secrètement établis pour danser . Je suis tombé sur un groupe Facebook : “Le vestiaire du Royal Festival Hall”, qui publiait un calendrier de répétitions chaque mois. Cela m’a directement intrigué. Comme il n’y avait pas de photos, j’ai tout de suite imaginé qu’on serait enfermé dans une garde-robe, où chacun serait de son côté avec sa musique, pendant que des hôtes d’accueil seraient là à récupérer les manteaux des invités.
J’ai été rassuré dès mon arrivée. Grand bâtiment situé sur la rive sud de la Tamise, le Royal Festival Hall est une salle de concert où diverses expositions et performances ont lieu chaque semaine. Son vestiaire, situé juste en dessous de l’étage de l’entrée principale, est loin d’être un placard inhospitalier. Il s’étend sur presque toute la longueur du bâtiment et les balcons du 1er étage principal donnent sur son étendue. Il n’y a pas besoin de se demander si c’est breakable, dès mes premiers pas sur ce sol, je me suis senti comme la famille royale foulant un sol lisse en marbre. Une association met à disposition cet espace de 10 heures à 17 heures tout au long du mois, et des danseurs de tous horizons l’utilisent.
Malgré tout, le sol, bien que lisse, est extrêmement dense. Conséquence innée du break et de la pratique du throw down, le corps est souvent malmené, et il faut s’attendre à ressortir de sessions avec des bleus. C’est sur le sol du Royal Festival Hall que j’ai découvert la vraie cruauté d’un sol en pierre. Les genouillères sont essentielles, ainsi que des couches supplémentaires pour les mouvements sur le dos et les transitions. On pourrait en dire autant de n’importe quel sol, en dehors du lino douillet d’un studio de danse. Malheureusement, à chaque médaille son revers. A force de rajouter des couches pour protéger mon corps, j’ai l’impression de nager dans mes fringues. Enveloppé ainsi, je me retrouve entrain de surchauffer après quelques flares et coupoles. En gérant mal ce problème, je m’épuise très rapidement, et les mauvais jours, j’en viens à écourter mon entraînement de 30 à 45 minutes. Mais que puis-je y faire ? Mon corps n’a plus la fougue d’un enfant de 15 ans, qui ne connait ni la peur ni la douleur (même si, quand j’avais 15 ans, je m’entrainais sur des tapis de danse). J’ai besoin de rembourrage, j’ai 25 ans et parfois j’ai l’impression d’en avoir 52. Et mine de rien, je n’ai pas suivi d’entrainement intensif depuis des années. Si seulement il existait une pilule du style Limitless pour le Break pour faire monter mon QI corporel à 1000. Peut-être qu’un studio avec un sol à ressorts est essentiel ? Je me mets à penser… Peut-être que j’ai besoin d’air conditionné et d’une boisson énergisante à base de concombre ! Mais aurais-je le même sens de la spontanéité ?
Au “Royal Festival cloakroom” j’ai croisé tant de nouveaux styles. J’ai pu observer de la house, de la ballroom, du litefeet, du popping… Quel que soit le style que vous recherchez, ils sont tous là et chacun observe et apprécie le genre d’espace mininal dans lequel ils se retrouvent. Il règne dans cet endroit une atmosphère détendue et réfléchie, propice à se plonger dans son propre monde et à se nourrir tranquillement de l’énergie des autres autour de soi. Le Royal Festival Hall est un espace idéal pour s’entraîner. Lorsqu’il est disponible… Très réputé, il est souvent loué, utilisé pour des événements s’y déroulant parfois à l’improviste, occupé par d’autres personnes… Et ce n’est jamais annoncé au préalable. Il faut parfois faire 1 heure de route pour découvrir, en arrivant devant, que l’on ne peut pas entrer. Mais il a le privilège d’être un espace couvert, accessible malgré la météo, et nous, les danseurs Londoniens, en sommes reconnaissants. Cependant, ce privilège ne peut pas être donné à tous les espaces.
Exchange House, à l’inverse, est une immense tour commerciale, à deux pas de Liverpool Street, une des rues les plus animées de Londres. Haut lieu du break, elle propose un préau abrité et découvert au rez de chaussée. Mais vous savez ce qu’on dit sur la météo londonienne : il ne pleut qu’une fois par an, pendant 365 jours. Alors les mois d’hiver, malgré le préau, cela reste compliqué de s’entraîner en extérieur, surtout avec les gratte-ciels qui canalisent les vents froids. A l’heure où j’écris cet article, je me rends compte que mes photos reflètent cette nature abandonnée, typique de l’hiver. En revanche, lorsque les conditions météo permettent de s’entraîner là-bas, l’Exchange House s’offre dans toute sa splendeur, comme le délicat équilibre du monde . Envahie par des bboys et bgirls de tous horizons, cette place anodine devient alors le centre de la culture break. Alors que les vestiaires du Royal Festival Hall sont mis à disposition des danseurs par le Southbank Centre et sa disponibilité communiquée via les réseaux sociaux, Exchange House reste une énigme en termes d’officialité. Il n’y a pas d’informations publiques ni d’horaires fixes pour les entrainements, mais la communauté break de Londres a en quelque sorte revendiqué l’endroit comme étant sien, comme si le Hip-hop avait décrété que cette place serait son salon, sa zone de cypher. Chaque soir de la semaine vous pouvez presque être sûr d’y trouver du monde.
À l’Exchange House, on a l’impression que tout le monde est le bienvenu, quelles que soient ses compétences ou ses origines. Chaque fois que quelqu’un arrive ou s’en va après sa session, il parcourt le spot et prend le temps de checker chaque personne présente, qu’il les connaisse ou non. Ça m’a paru évident que la notion de respect devrait être quelque chose d’assimilé. L’endroit fait preuve d’un sens profond de la communauté, que ce soit individuellement ou en crew : tout le monde s’entraîne avec chacun et le spot devient rapidement une jam non officielle. C’est l’essence même de ce que nous faisons. J’ai vécu l’Exchange House comme un endroit où se ressent l’essence profonde du break, entre respect et dépassement de soi. Alors, l’Exchange House est-elle breakable ? Il fut un temps où la place au pied de l’Exchange House était simplement un endroit où les comptables et les employés de bureaux déambulaient à longueur de journée, partageant un sandwich entre midi et deux. Aujourd’hui, c’est un endroit où, si vous voulez cypher, il y aura forcément une poignée d’autres personnes qui vous rejoindront pour participer à la conversation. Peu importe d’où l’on vient, nous sommes tous liés par le besoin de Breaker. Après tout, qui peut dire que c’est une coïncidence si cet endroit s’appelle Exchange House ?
Mais bien sûr, durant ces deux dernières années, il y a eu des moments où s’entraîner seul était la seule option. Les confinements dans le monde entier ont isolé les gens, interdisant les rassemblements en groupes. La plupart des danseurs se sont entraînés dans un salon aménagé. Je suis parti de Londres pour passer quelques mois à la campagne, chez ma mère. Sa cuisine est devenue mon champ de bataille, dans lequel on ne pouvait entrer sans y être défié. Le Hip-hop était très vivant en moi. Plus je m’entraînais, plus je pensais aux racines de la culture, comment dans les années 70 les jeunes ont commencé à Breaker au coin des rues pour se réaliser, s’évader, s’exprimer. C’est né ainsi, puis sont nés les crews historiques, Mighty Zulu Kingz et les Rock Steady. Mais pensez-y, à l’époque, il n’y avait pas de compétitions internationales ni d’argent à gagner, le break était simplement une pure expression et représentation de soi. Une fin en soi et non un moyen d’acquérir un statut, une notoriété…
Puis le temps passant, je suis retourné dans mon Londres natal. Paradoxalement, une ville aussi grande que cette mégalopole peut être étrangement isolante par moments, encore plus pendant le confinement. C’est un sentiment étrange de se savoir entouré de tant de vie, d’énergie, et de ne pas pouvoir quitter son salon. Mais je ne pouvais pas laisser cette ambiance anxiogène m’arrêter. Je n’arrivais pas à m’enlever de la tête ces images de jeunes venus des quatre coins du monde descendre dans la rue danser, s’exprimer ! J’avais le sentiment que c’était là que le Break avait sa place, dans la rue. Cette incroyable dissonance qu’il y avait entre nous, qui nous jetions par terre pour danser, et les gens « normaux », qui marchaient et vaquaient à leurs occupations, me fascinait. Quelle excitation de chercher à casser ce rythme, cette conduite sociale ! Durant cet isolement, dans ma gamberge, je me cherchais toujours. Je cherchais à définir mon style, à m’affirmer, à reprendre confiance en moi après tant d’années sans break dans ma vie. J’ai vu cette solitude comme une opportunité
Reprendre confiance était le premier grand pas vers la maitrise de mon style. Un jour, alors que j’étais, comme d’habitude, en train de réfléchir à mon existence, m’est apparue une absurde idée de ce qu’est la danse en soi. J’ai trouvé une sorte de mantra, liant la musique, le corps et l’esprit :
« Ressentir honnêtement (la musique). Profiter de ce qui est unique pour vous (votre corps). L’exprimer, comme vous le devez (l’esprit) ! »
Cela signifie que même si l’environnement n’était pas idéal, l’idéal que je venais d’établir devait rester vrai, quel que soit l’environnement. C’était mon Hip-hop. Alors je me suis demandé pourquoi ne pas essayer quelque chose de différent, quelque part de différent ?
Brockwell Park, un vaste terrain de loisirs circulaire avec des chemins sinueux menant à un café et quelques bancs au sommet d’une colline. Pendant une année entière, j’en ai fait mon jardin. Par moment, tout au long d’une période de 6 mois, vous pouviez me surprendre, Cinnamonstickz, en train de balancer du funk depuis le haut de la colline.
Demander si cette surface est breakable, c’est comme demander si on peut râper du fromage sur une planche de surf waxée (en y réfléchissant, le fromage se râperait bien sur cette surface) : c’est du tarmac pur. Donc, à moins d’avoir une sorte de peau reptilienne assez épaisse, ce n’est pas l’endroit idéal pour se jeter sur le dos. J’y suis allé avec une approche différente, j’ai décidé de n’y faire que des toprock. Cela signifiait qu’il fallait orienter la question « est-ce breakable ? » différemment. Je prêtais attention à la qualité du mouvement de la moitié supérieure de mon corps, en me demandant comment lier cela à ce que mes pieds faisaient simultanément. Les toprocks sont l’introduction de votre style et, pour moi, c’en est devenu le facteur le plus important de ma danse. Je voulais y refléter mon sens de l’imagination, du jeu, je voulais que mes toprocks soient captivants, inventifs, originaux. J’ai commencé à chercher à y intégrer des éléments théâtraux pour raconter une histoire presque shakespearienne, pour vraiment développer l’originalité de mon style.
Un banc dans un parc – cela peut paraître banal, mais ce spot était le lieu où se trouvait la tour de l’horloge de Brockwell, ma belle amie verte dont les aiguilles dysfonctionnaient constamment, rendant mes séances intemporelles. Au départ, je n’avais pas fait grand cas de ce détail. Mais les habitants du sud de Londres, au cours de leurs promenades quotidiennes, s’arrêtaient pour m’observer. J’ai commencé à remarquer que le flux de la vie quotidienne rendait l’espace toujours changeant. Je me souviens m’être toujours demandé, en passant devant ce banc, qui pouvait bien s’asseoir là ? Des gens passeraient-ils de la musique, encore plus forte que je ne pourrais mettre la mienne ? Le soleil est-il en train de percer ce trou parfait dans la ligne des arbres ? La tour verte de l’horloge est devenue plus qu’un endroit temporaire pour s’asseoir. Dans mon monde, c’est devenu un glorieux terrain de jeu et de création, un symbole de liberté. J’appréciais l’énergie énigmatique que je dégageais, étais-je vraiment libre ou simplement fou ? J’étais souvent dérangé par des badauds qui traversaient mon terrain de jeu. Bien que parfois certains promeneurs paraissaient ne pas se soucier de ma présence, c’était comme si la plupart s’étaient en fait donnés pour mission de perturber mon énergie en traversant directement mon espace d’entraînement, alors que j’étais en pleine répétition (un problème que l’on ne rencontre pas dans les endroits plus établis). Mais cela ne me décourageait pas, j’en profitais pour les charrier, comme s’ils m’interpellaient au cours du cypher, en leur lançant des burns. Le week-end, des groupes de musique s’installaient à proximité et Jamaient avec des instruments. Du jazz aux musiques latines, ils me fournissaient de nouveaux accents musicaux et de nouveaux rythmes, qui devenaient bien sûr des élans de spontanéité supplémentaires sur lesquels je pouvais tenter de nouvelles choses.
Comme vous pouvez le constater, la danse est pour moi une pratique essentiellement spirituelle. Ainsi, la plupart du temps, ce qui se passait dans le parc autour de moi n’avait d’importance que lorsque j’y prêtais volontairement attention. Ces moments de réflexion créaient en moi une sorte de catharsis qui se traduisait ensuite dans mon mouvement. Cela me ramène à mon moi shakespearien,
”Ressentir honnêtement (la musique). Profiter de ce qui est unique pour vous (votre corps), puis l’exprimer, comme vous le devez (l’esprit).”
C’est peut-être ce que je pense du Hip-hop. A première vue, ce n’est pas l’endroit le plus idéal pour s’entraîner mais moi, c’est là que j’ai eu l’impression de progresser le plus. Non pas parce que je réussissais de nouveaux combos dingues, mais parce que je trouvais un vrai confort dans mon style, je m’amusais, j’étais inspiré ! C’est là que j’ai trouvé ma voie. Malgré ce sol rude et inhospitalier au premier abord, j’ai découvert qu’il était en fait breakable.
Et c’est ainsi que j’ai envisagé ma question sous un nouvel angle : “Est-ce que c’est breakable ?”. Avant, cette question n’était que bassement liée à la réalité physique du sol : ce dernier se prête-t-il à la pratique du Break ? J’ai lentement réalisé que la vraie question était en fait de se demander : « Puis-je y breaker ? Y a-t-il quelque chose que je puisse faire ici ? » Au lieu de regarder l’espace devant moi et de me demander ce qu’il peut faire pour moi, j’ai commencé à me demander ce que je peux en faire, comment je peux y breaker, comment je peux le dompter. Tout comme ceux qui nous ont précédés l’ont fait avec tous les aspects de cette culture. Que dois-je adapter dans mon style, mon approche, mon physique, ma mentalité ? L’accessibilité pour les artistes est un problème courant, qu’il s’agisse du lieu, du temps, des moyens financiers, etc. Mais souvent, certaines des meilleures œuvres sont produites dans des circonstances limitées, dans des conditions poussant à la créativité, à l’adaptation, à la spontanéité, et c’est exactement ce que pose ma question. Est-ce breakable ? Breaker, c’est surmonter un défi, explorer de nouveaux horizons, se réinventer et ne pas se définir par les limites perçues.
Faire ce que le hip-hop fait de mieux en prenant ce qui est établi et en le changeant. Il n’y a pas qu’une seule façon de breaker et je crois que trouver son propre style apporte un véritable épanouissement dans son art. Cette question vous amène à vous approprier le ressenti qui est en vous, à lui permettre de réagir au monde extérieur et d’utiliser cette intuition pour cultiver votre créativité. C’est ce que je crois que le Hip-hop est dans son essence propre.
Alors prenez un grand souffle, sortez dans le monde et explorez, il y a un endroit qui n’attend que de vous être dévoilé. Au lieu de déployer votre lino partout où vous voulez danser, pourquoi ne pas contacter les autres heureux possesseurs d’un Breakers Magazine, en rassembler une vingtaine au sol pour en faire un tapis, et se demander si c’est breakable ?
Texte par : Tom Cherrie. @cinnamonstickz
Photos par : Tom Cherrie. @cinnamonstickz
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