“Nous cherchons tous la même chose : être respecté, s’amuser, danser, et avant tout, on cherche du sens à ce que l’on fait.”

Partie 2 : Le break comme mémoire.

“C’est un art, c’est un lifestyle, c’est quelque chose que l’on ne peut désolidariser de son socle. On ne peut définir le break sans avoir une appréciation globale du Hip-hop. Ce n’est pas un problème si les choses se popularisent et se spécialisent à partir du moment où chacun sait d’où cela vient, et quelles valeurs il doit porter.

Je suis d’origine algérienne. Dans nos familles, on aime bien notre drapeau, on nous explique très jeunes d’où l’on vient, ce qu’il y a dans notre pays, on nous parle beaucoup d’héritage, de culture. On nous explique aussi ce qu’il s’y est passé etc. Donc très jeune j’ai été sensibilisée à la politique, à la notion d’appartenance etc.
Lorsqu’on est dans le break, dans le Hip-hop, que l’on embrasse une culture qui n’est pas la nôtre de base, qui vient d’un endroit qui n’est pas chez nous, la moindre des choses c’est d’essayer de comprendre qui sont les gens qui ont créé ce mouvement, et qu’est-ce qui nous donne l’impression d’avoir un lien avec tout cela. Le Hip-hop à accueilli tout le monde, toutes les personnes que tout oppose, alors qu’est-ce qui fait que cette énergie nous parle à tous ?
Si moi aujourd’hui je juge, je danse, je voyage, c’est parce que des gens qui ont sacrifié beaucoup ont inventé quelque chose de beaucoup plus profond que simplement être jury, être invité pour danser. Et c’est sur cela qu’il faut s’interroger, sur le sens de tout ça. Ce qui compte n’est pas la notoriété ou la popularité mais l’art lui-même.”

Partie 3 : Le break, c’est les footworks.

“Au-delà de cette vision philosophie, de manière beaucoup plus terre-à-terre, qu’est-ce que le break ? Ce sont les footworks. C’est le rapport à la musique, la fête, l’esthétique. Dans quel milieu les bboys et les bgirls se retrouvent entre amoureux de la culture pour créer et évoluer ? Le break s’épanoui et se créé dans les jams, c’est là qu’il est le plus spontané. Le break c’est une danse, une attitude, une façon d’exprimer son esprit dans un mouvement. C’est une danse infinie.
Le break c’est une manière de se tenir, de se mouvoir et de se revendiquer.”

BREAKERS : Tu es né en quelle année ?

Niko : Je suis né en 1965. 

BREAKERS : Donc tu as commencé le break à 17 ans ? Je pensais que tu avais commencé beaucoup plus jeune !

Niko : Avant je ne pouvais pas, ça n’existait pas. 

BREAKERS : Qu’est-ce qui existait avant ? Dans quoi la jeunesse se retrouvait ? 

Niko : Il y avait pleins de trucs avant, le monde n’a pas commencé à tourner avec l’arrivée du Hip-hop. 

BREAKERS : Peux-tu nous raconter tout cela ? Comment as-tu vécu l’arrivée du Hip-hop en France, jusqu’à aujourd’hui.

Il y a quelque chose qu’il ne faut pas oublier, c’est que la particularité du Hip-hop Français est de s’être fait tout seul. Le Hip-hop Français, à ses débuts, ne doit rien aux Etats-Unis. Les racines du Hip-hop Français sont locales. Ce que je veux dire par-là, c’est qu’il est évident que le break vient des Etats Unis mais qu’en 1982, nous avons lancé notre propre mouvement après avoir vu les RockSteady pendant 30 secondes à la télé. Après le NY City Rap Tour, nous n’avons pas attendu d’autres vidéos pour apprendre d’autres mouvements, car les autres vidéos sont arrivées un an après. Les modèles du Hip-hop Français c’était nous, nous qui passions à la télé tous les dimanches lors de H.I.P. H.O.P., pas les Américains. Il n’y aurait pas une histoire si forte en France si elle n’avait pas commencé comme ça.

NIKO EN ITALIE

En 1885, Joey et Maurice ont décidé de partir à Milan. Joey m’a appelé peu de temps après pour me proposer de les rejoindre car il y avait de quoi travailler dans la danse. Il y avait très peu de break là-bas à l’époque. Très rapidement j’ai été intégré dans la scène Italienne car mon niveau était bien plus élevé que le niveau local. 

Je faisais quelques allers-retours en France mais je passais la majorité de mon temps en Italie. En 1986 j’ai organisé une JAM à Montova, avec les bboys de Montova. Enormément de danseurs de toute l’Italie sont venus à cet événement. Ça a créé beaucoup de connexions. Des mecs de Modena m’ont invité à venir m’entrainer chez eux, donc j’y suis allé, pareil pour Ancône et beaucoup d’autres villes. J’ai fini par faire un pseudo tour d’Italie pour aller danser et enseigner. En Italie en 1986, ils n’avaient pas encore beaucoup de powermoves, j’ai beaucoup enseigné, beaucoup partagé mes connaissances, mes mouvements. Je pense que c’est grâce à cela que j’ai eu un déclic en termes de compréhension de la danse à cette période.

Pour comprendre l’influence qu’a eu la France dans le bboying Italien je vais vous raconter 2 anecdotes. A Ancône j’ai tourné une vidéo sur une terrasse dans laquelle je montre tous mes powermoves. En fait, un bboy local m’avait demandé de lui montrer ces mouvements pour qu’il puisse les filmer, car il était équipé avec le matériel nécessaire. Donc j’ai fait ce qu’il me demandait de faire. Cette vidéo ensuite a beaucoup tourné à Ancône. Elle a été la « bible » des bboys locaux car elle a été leur seule vidéo pendant des années. L’influence a été tellement importante que même les générations d’aujourd’hui ont un style et un toucher identique au mien. Je le sais car j’y suis retourné presque régulièrement à partir de 2016 pour donner des stages.

Pendant cette même JAM que j’ai organisée à Montova, il y avait aussi beaucoup de mecs de Turin, ville dans laquelle je n’étais jamais allé. L’année qui a suivi cet événement, Maurizio, que j’avais entre temps rencontré à Paris, m’a invité chez lui à Turin. Quand je suis allé là-bas je me suis rendu compte que tous les mecs faisaient les mouvements que j’avais inventés. Ils m’ont tous dit également que j’étais leur grande inspiration etc. Mais comment avais-je pu les influencer ? Je n’étais jamais allé là-bas et il n’y avait pas de vidéo à l’époque !
Les années ont passé et il y a quelques temps, un de mes amis m’a envoyé une vidéo de mes passages à cette JAM à Montova en 1886. Il m’a appris qu’un mec avait tout filmé et que lui avait la seconde moitié du film, mais qu’il ne savait pas du tout où était la 1ère moitié. Je suis persuadé que ce sont les mecs de Turin qui ont choppé la première partie de la cassette, mais personne ne veut me dire si c’est eux. Où est la cassette quoi ? Je l’ai demandée à tout le monde, à tous mes amis de là-bas, personne ne veut me dire la vérité ! On a tous 50 ans passés maintenant, donnez-moi la cassette !  

Voilà l’influence de la France dans le break Italien. Ces 2 anecdotes portent sur mon expérience personnelle, mais on est plusieurs à être resté longtemps là-bas et à avoir vécu des expériences similaires. Si les mecs là-bas disent encore « passe-passe », « envolée », « coupole » ce n’est pas un hasard.

NIKO COMPOSE

A l’époque, dans les années 1980 – 1990, on était « Hip-hop » par passion. Jamais en commençant quelle discipline que ce soit nous nous étions dit que nous allions en faire quelque chose de notre vie, ça ne nous traversait même pas l’esprit. On dansait juste par passion, pour aller défoncer les autres dans les soirées du week-end. Et puis toutes les disciplines du Hip-hop étaient très proches à l’époque, donc on testait tout car on était en quête de sensations, on s’appropriait les choses au fur et à mesure. 

Un jour j’ai acheté du matériel de musique et j’ai commencé à apprendre. J’avais comme unique base le fait que j’écoutais de la musique h24, mais je n’avais aucune notion de la construction musicale, de la compréhension du matériel. J’étais dans la découverte, dans l’apprentissage autodidacte. C’était comme pour la danse, tu avais vu un jour une vidéo et tu essayais. Donc cette période d’apprentissage est longue mais tu progresses petit à petit, jusqu’à comprendre, trouver ton style, t’identifier.

Le premier gros projet sur lequel j’ai travaillé était le premier album de Passi : « Les Tentations ». Cet album a cartonné. À la suite de ce succès, Passi a décidé de fonder un groupe de rap, avec des instrumentales samplées de musiques traditionnelles africaines. Il est venu chez moi un jour avec des disques de musiques africaines et m’a proposé d’essayer de maquetter les sons. On a essayé, ça a commencé à fonctionner, donc Passi a réuni plusieurs rappeurs d’origine congolaise, dont Arsenik et a créé le groupe « Bisso Na Bisso » en 1997. Ça a été un nouveau succès commercial. 

En parallèle à cela, j’avais une affinité particulière pour la musique latine. J’achetais des disques de la maison New-Yorkaise « Fania Records », qui produisait beaucoup de Salsa et autres styles latins. J’avais également découvert la musique traditionnelle cubaine et je commençais à composer aléatoirement quelques titres aux consonnances cubaines. J’ai vu que les maquettes rendaient bien, donc j’ai commencé à vouloir créer un album de rap avec de la musique traditionnelle cubaine. J’en ai parlé à mon ami Ivan Montoya, qui faisait partie du groupe fusion « Sergent Garcia » et on s’est mis à la recherche de chanteurs traditionnels cubains, les « sonero » et de rappeurs. On souhaitait partir à Cuba pour trouver des chanteurs, mais nous n’avons pas réussi à débloquer de financement, donc nous nous sommes dit que nous allions créer le groupe ici, à Paris.  A la même période, le groupe leader du rap cubain de l’époque, très inspiré du rap américain, « Amenaza », était de passage à Paris. Nous avons réussi à les rencontrer pour leur expliquer le projet : « Je ne veux pas de rap américain, je veux un mélange entre le traditionnel cubain, ses percussions et ses voix, et la modernité du Hip-hop, entre batterie et manière de faire tourner les samples. Je veux un vrai sonero traditionnel cubain. ». Ils ont accepté après quelques hésitations, et nous avons enregistré 5 titres : « A lo Cubano », « Atrevido », « 537 C U B A », « Represent » et « Barrio ». A noter que pour ces 2 derniers titres, nous avons eu le plus grand percussionniste cubain, Miguel Anga Diaz qui est venu poser des percussions. Initialement, il avait payé un studio pour pouvoir enregistrer des percussions sur les titres « Represent » et « Barrio ». Après signature il a joué sur tous les titre de l’album « A Lo Cubano ».

Ces 5 titres nous ont permis de signer en maison de disque, et de débloquer une avance sur le budget pour aller rejoindre les chanteurs qui étaient rentrés à Cuba. Je me suis rendu à Cuba avec tout mon matériel pour enregistrer là-bas. C’était un truc de fou à l’époque d’amener un tel matériel à Cuba, où les ordinateurs étaient interdits. J’ai réussi à faire entrer mon matériel et je me suis installé chez Yotuel (rappeur de « Amenaza ») à la Havane. En soirée, j’ai rencontré une scène Hip-hop, break, Rap incroyable qui m’a très vite accepté. Nous avons repris l’enregistrement des morceaux, avec des musiciens, pianistes, flutistes, tresero locaux, recrutés sur place. Une fois le travail terminé, nous sommes retournés à Paris et nous avons signé en maison de disque en Espagne, à Madrid. 

Vous avez peut-être deviné de quel groupe il s’agit. C’est comme cela qu’a commencé l’aventure du groupe « Orishas ». Nous sommes partis en tournée dans le monde entier. J’ai tourné avec eux pendant quelques années. 

En 2005 j’ai commencé à vivre de la musique et à quitter un peu le monde de la danse. À la suite de cela j’ai composé pour des films, des dessins animés et autres projets. 

En 2012 je suis revenu un peu dans le monde de la danse, et j’ai vu un monde qui avait totalement changé. 

Beaucoup de gens aujourd’hui se disent être « Hip-hop » depuis le début, car ils ont toujours dansé. Le problème c’est qu’ils ne te parlent que de danse. Ces gens sont totalement déconnectés de la réalité du Hip-hop. Il y a ce côté de distanciation des disciplines dans le Hip-hop qui est dérangeant et qui ne permet plus à la jeunesse de pouvoir comprendre le Hip-hop dans sa globalité. C’était une façon de vivre, une culture à part entière. C’est compliqué d’appréhender ce truc-là, cette culture globale, quand tu ne l’as pas vécu.

NIKO EXPLIQUE

Quand j’ai intégré ON2H, j’ai eu une discussion avec Jay-One. Je lui disais que je ne comprenais pas pourquoi tout le monde parlait des JO sans ne jamais mentionner l’importance de la culture. Pourquoi est-ce qu’on irait avec des fédérations ? Avec le ministère des sports ? Il m’a répondu : « Niko, oublie, ils ne comprendront jamais cet aspect global que tu vas leur expliquer. ». On a rendu le Hip-hop tellement mainstream que tout le monde se l’approprie, à tous les niveaux. 

A l’approche des JO, plusieurs questions se posent. Si tu approches la danse comme un sport, combien de temps vas-tu durer ? Ils te vendent cela comme un sport, ils te vendent des années de bonheur, comme si la précarité était terminée. Mais il faut savoir qu’une médaille ne donne pas un salaire à la fin du mois. Beaucoup de médaillés olympiques sont au RSA, et ce partout dans le monde. On nous envoie des étoiles, on se sert aujourd’hui de la précarité des danseurs pour leur faire croire que ce qui est mis en place les sortira de l’insécurité financière. On donne des miettes en disant « voilà, vous avez quelque chose maintenant ». Alors que si la majorité des danseurs n’étaient pas en précarité, personne n’aurait accepté ces miettes. Ce ne sont pas de vraies perspectives qui sont proposées. C’est bien, mais moins bien que ce qui devrait se passer. 

Mon discours vis-à-vis de ces changements dans le monde du break est simple. 

Je pensais que cela allait être une possibilité pour les danseurs de récupérer ce qui leur était dû et de sortir de la précarité. Mais il aurait fallu faire ça différemment, avec des moyens débloqués pour les danseurs, des développements de vrais métiers… Que le break et le Hip-hop trouvent une place dans le fonctionnement national de la danse. 

C’est pour cela que j’ai intégré ON2H, car nous avons vraiment décidé de quitter la sphère du sport. Nous défendons la culture, nous nous battons pour sortir durablement les danseurs de la précarité. Nous travaillons sur la création de formations, de métiers, sur du long terme. Faire un 3-step ne va pas t’apprendre à gérer une structure, un centre chorégraphique.
Au niveau sportif, nous sommes en train de nous piéger tout seul, de perdre notre indépendance. Si on prend l’exemple de la musique, de plus en plus de labels redeviennent totalement autonomes car les grosses structures dominantes ne plaisent plus. Dans la danse, nous étions dans l’indépendance et maintenant on est en train de se mettre dans un cadre, où il faudra un jour affilier nos associations à la FFD pour pouvoir demander une salle à la mairie et organiser un battle. Il faut faire attention de ne pas se faire manger. 

Momo et les autres membres fondateurs ont créé ce groupe à la hauteur de leurs ambitions. Ils ont créé un groupe qui soit en accord avec leurs valeurs et avec l’image du Break qu’ils souhaitent véhiculer à travers le monde. Vagabond Crew, exclusivement parisien au début, a commencé à voir ses nouveaux membres venir de toute la France dès 2003. En 21 ans d’existence, il y a près de 40 danseurs qui sont membres du crew.
Vagabond crew a toujours intégré ses nouveaux membres en prêtant une forte attention à l’état d’esprit du danseur. La priorité est de voir si ce danseur, peu importe son niveau, partage les mêmes valeurs et les mêmes ambitions que le groupe. C’est primordial car ce sont ensuite ces valeurs, cette histoire que le danseur va défendre au niveau international. On ne priorise pas le niveau du danseur car nous sommes un groupe formateur, nous saurons apporter le niveau et la technique. Mohamed Belarbi a formé tous les danseurs de Vagabond, certains avaient intégré le groupe avec un niveau proche de débutant.
Il faut être ambitieux pour intégrer un groupe prestigieux qui a déjà tout gagné et qui a pour ambition de garder la couronne. On ne peut pas avoir l’ambition d’un danseur lambda qui se contente du niveau régional. Il faut vouloir faire partie des meilleurs. C’est de l’investissement, du travail, des sacrifices, et ce qui garantit que les danseurs qui intègrent le groupe atteindront ce niveau, c’est leur état d’esprit. Le danseur peut être le plus nul, mais s’il a la rage de vaincre, on pourra travailler avec lui.

J’ai rejoint Vagabond car l’état d’esprit du groupe concordait avec le mien. Je savais que si je voulais progresser pour atteindre mes ambitions il fallait que je sois entouré des meilleurs. Je me suis ensuite naturellement investi dans mon projet au sein de mon groupe. Je suis devenu un des piliers du groupe, auprès de Momo qui reste la pièce indispensable au maintien du crew.

Si le groupe tient toujours un niveau international aujourd’hui c’est pour 2 raisons. D’une part, nous savons que chaque danseur est limité dans le temps, que ce soit physiquement, ou au niveau des responsabilités de la vie etc. La clé pour garder un groupe au plus haut niveau est le renouvèlement des effectifs, et les actions menées pour renouveler cet effectif de manière efficace.

D’autre part, le fondateur du crew doit être présent tout au long de la vie du groupe. Lui ne peut pas se renouveler car il est la source d’énergie. C’est lui qui doit être le plus solide, c’est lui qui porte le groupe et qui devra faire le plus de sacrifices. Tous ceux qui quitteront le navire a un certain moment seront ceux qui n’auront pas la force ou n’auront pas fait le choix de maintenir ces sacrifices sur le long terme.
Je pourrai citer beaucoup de choix et décisions compliquées qui ont été prises pour le bien du crew, mais ce qu’il faut retenir c’est que, pour maintenir un groupe a un niveau international pendant 2 décennies, l’intensité des sacrifices est incommensurable. C’est ce dévouement qui tisse des liens fraternels indéfectibles. A la fin, j’en retiens une histoire humaine, bien plus forte que la danse. »

Il faut avoir en tête que Melting Force c’est Saint Etienne. Nous travaillons énormément dans la région pour transmettre, éduquer les jeunes à travers le Hip-hop. Nous donnons des cours dans une vingtaine de structures. C’est également cela qui nous permet de repérer les prochaines générations de Melting Force. Si on se rend compte que, au bout de 2 ans de danse, un ou une élève se démarque, s’entraine à la maison, apprend toutes les semaines de nouveaux mouvements, alors on lui dit d’arrêter les cours et de venir dans notre salle pour passer à la suite. On continue de le former, on l’emmène en Battle pour qu’il observe. On efface petit à petit la relation coach – élève pour une relation bboy à bboy/bgirl. Au fil du temps, s’il charbonne assez dans la salle, on lui donnera sa chance, on lui proposera de danser dans tel battle. Et s’il/elle a un bon feeling avec tous les membres du Crew alors il/elle intégrera surement Melting Force. Tout ce processus se fait naturellement et je pense que c’est cela qui permet de sortir des nouvelles têtes tous les 2 – 3 ans.
Après, si ce danseur ne souhaite pas s’orienter vers la compétition ce n’est pas pour autant qu’il n’aura pas sa place chez nous. Il y a beaucoup de membres du crew qui ne sont pas dans les battles mais qui travaillent au fonctionnement de l’association, dans la transmission etc. Chacun y trouve son compte, c’est pour cela que ça tient et qu’il y a cette fidélité, cet investissement de chacun envers le groupe.

En termes de transmission, c’est important également de montrer que l’on peut gagner avec ce qu’on a. Je dis cela car nous ne sommes pas un crew qui s’est créé sur la victoire (pas comme une dream team) et que nous ne recrutons pas par rapport au niveau du danseur. Nous avons grandi avec les qualités et les défauts de tout le monde, que nous avons supporté et soutenu. Nous avons créé ensemble jusqu’à gagner. Si les jeunes générations m’avaient vu rejoindre telle équipe pour gagner un battle, ils auraient compris qu’il faut aller autre part pour gagner, et Melting Force ne serait pas aussi fort et stable aujourd’hui.
C’est pour cela que l’on s’investi dans les nouvelles générations. On responsabilise chaque membre, en faisant comprendre que le maintient du groupe leur appartient aussi. Ceux que nous avons formé, forment aujourd’hui, apprennent à gérer l’association, l’administratif etc. Si demain tous les anciens décidaient d’arrêter subitement, il y aurait une relève.

On est un crew comme a l’ancienne, une bande de potes qui danse ensemble. Notre but est de durer dans le temps, quel est le but de briller et de se faire oublier l’année d’après ? On veut laisser une empreinte, un nom, car c’est ça avant tout le Hip-hop. L’union fait la force, tel est le message de Melting Force.

Chaque crew choisira son avenir, chaque crew a sa politique. Ce que je constate juste c’est qu’il y a de moins en moins de crew, et de plus en plus de « team ». Mais n’oubliez pas votre crew. Je préfère perdre avec mon crew que gagner avec une team. »

Au niveau de la communauté, l’essentiel selon moi n’est pas de faire un maximum de battles et de les remporter, mais c’est d’avoir une identité propre. Tout le monde peut gagner des battles, mais tout le monde n’a pas une identité.
Si tu as une identité, les autres vont s’en inspirer et ça n’apportera que du positif. Avec des valeurs saines, un bon état d’esprit, en étant bien sapé, toujours propre, c’est là que tu marques et, c’est comme ça que tu vas faire passer ton message. Ton passage commence dans ta chambre (tenue vestimentaire) et finit dans le cercle (au battle).
Pour que ton crew devienne légendaire, c’est donc question de qualité et non de quantité. Il y a des moments où il faut marquer le coup et si ces moments-là ont été mémorables alors tu rentreras dans la légende, que ce soit par tes victoires, ton identité, ton attitude dans les cercles, ton état d’esprit ou le discours que tu portes. Peu importe. Tu peux gagner cinq fois un gros battle international et un autre crew non mais il peut être tout aussi légendaire et mondialement reconnu.

Pour moi le but, ce n’est pas de briller mais de durer. À bon entendeur… »

Texte par : Yann Hung. @jia.yann

Photos par : credits.

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Est-ce une question idiote à poser ? Est-ce breakable ? Reflexe de breaker, lorsque je vois une surface, un sol, je sais instinctivement si la paume de mes mains ressemblera à du papier de verre à la fin de ma session, ou alors, si je suis chanceux et que je trouve le spot en or, je sais d’emblée si je vais pouvoir throw down, envoyer une coupole, un thomas. A chaque fois que je me promène dans Londres, je scrute constamment les environs à la recherche d’endroits intéressants où me jeter. Je me demande toujours : est-ce breakable ? Et si, à première vue, on pourrait croire que cette question trouve sa réponse uniquement dans le revêtement du sol et sa capacité à accueillir des figures, c’est en fait toute une philosophie du break qui se cache derrière. Vous vous demandez peut-être pourquoi un B-boy ou une B-girl se pose cette question. Pourquoi ne pas être dans un studio au sol lisse et accueillant, entouré de mille miroirs flattant notre égo ?

Au “Royal Festival cloakroom” j’ai croisé tant de nouveaux styles. J’ai pu observer de la house, de la ballroom, du litefeet, du popping… Quel que soit le style que vous recherchez, ils sont tous là et chacun observe et apprécie le genre d’espace mininal dans lequel ils se retrouvent. Il règne dans cet endroit une atmosphère détendue et réfléchie, propice à se plonger dans son propre monde et à se nourrir tranquillement de l’énergie des autres autour de soi. Le Royal Festival Hall est un espace idéal pour s’entraîner. Lorsqu’il est disponible… Très réputé, il est souvent loué, utilisé pour des événements s’y déroulant parfois à l’improviste, occupé par d’autres personnes… Et ce n’est jamais annoncé au préalable. Il faut parfois faire 1 heure de route pour découvrir, en arrivant devant, que l’on ne peut pas entrer. Mais il a le privilège d’être un espace couvert, accessible malgré la météo, et nous, les danseurs Londoniens, en sommes reconnaissants. Cependant, ce privilège ne peut pas être donné à tous les espaces.

Exchange House, à l’inverse, est une immense tour commerciale, à deux pas de Liverpool Street, une des rues les plus animées de Londres. Haut lieu du break, elle propose un préau abrité et découvert au rez de chaussée. Mais vous savez ce qu’on dit sur la météo londonienne : il ne pleut qu’une fois par an, pendant 365 jours. Alors les mois d’hiver, malgré le préau, cela reste compliqué de s’entraîner en extérieur, surtout avec les gratte-ciels qui canalisent les vents froids. A l’heure où j’écris cet article, je me rends compte que mes photos reflètent cette nature abandonnée, typique de l’hiver. En revanche, lorsque les conditions météo permettent de s’entraîner là-bas, l’Exchange House s’offre dans toute sa splendeur, comme le délicat équilibre du monde . Envahie par des bboys et bgirls de tous horizons, cette place anodine devient alors le centre de la culture break. Alors que les vestiaires du Royal Festival Hall sont mis à disposition des danseurs par le Southbank Centre et sa disponibilité communiquée via les réseaux sociaux, Exchange House reste une énigme en termes d’officialité. Il n’y a pas d’informations publiques ni d’horaires fixes pour les entrainements, mais la communauté break de Londres a en quelque sorte revendiqué l’endroit comme étant sien, comme si le Hip-hop avait décrété que cette place serait son salon, sa zone de cypher. Chaque soir de la semaine vous pouvez presque être sûr d’y trouver du monde.
À l’Exchange House, on a l’impression que tout le monde est le bienvenu, quelles que soient ses compétences ou ses origines. Chaque fois que quelqu’un arrive ou s’en va après sa session, il parcourt le spot et prend le temps de checker chaque personne présente, qu’il les connaisse ou non. Ça m’a paru évident que la notion de respect devrait être quelque chose d’assimilé. L’endroit fait preuve d’un sens profond de la communauté, que ce soit individuellement ou en crew : tout le monde s’entraîne avec chacun et le spot devient rapidement une jam non officielle. C’est l’essence même de ce que nous faisons. J’ai vécu l’Exchange House comme un endroit où se ressent l’essence profonde du break, entre respect et dépassement de soi. Alors, l’Exchange House est-elle breakable ? Il fut un temps où la place au pied de l’Exchange House était simplement un endroit où les comptables et les employés de bureaux déambulaient à longueur de journée, partageant un sandwich entre midi et deux. Aujourd’hui, c’est un endroit où, si vous voulez cypher, il y aura forcément une poignée d’autres personnes qui vous rejoindront pour participer à la conversation. Peu importe d’où l’on vient, nous sommes tous liés par le besoin de Breaker. Après tout, qui peut dire que c’est une coïncidence si cet endroit s’appelle Exchange House ?

Mais bien sûr, durant ces deux dernières années, il y a eu des moments où s’entraîner seul était la seule option. Les confinements dans le monde entier ont isolé les gens, interdisant les rassemblements en groupes. La plupart des danseurs se sont entraînés dans un salon aménagé. Je suis parti de Londres pour passer quelques mois à la campagne, chez ma mère. Sa cuisine est devenue mon champ de bataille, dans lequel on ne pouvait entrer sans y être défié. Le Hip-hop était très vivant en moi. Plus je m’entraînais, plus je pensais aux racines de la culture, comment dans les années 70 les jeunes ont commencé à Breaker au coin des rues pour se réaliser, s’évader, s’exprimer. C’est né ainsi, puis sont nés les crews historiques, Mighty Zulu Kingz et les Rock Steady. Mais pensez-y, à l’époque, il n’y avait pas de compétitions internationales ni d’argent à gagner, le break était simplement une pure expression et représentation de soi. Une fin en soi et non un moyen d’acquérir un statut, une notoriété…
Puis le temps passant, je suis retourné dans mon Londres natal. Paradoxalement, une ville aussi grande que cette mégalopole peut être étrangement isolante par moments, encore plus pendant le confinement. C’est un sentiment étrange de se savoir entouré de tant de vie, d’énergie, et de ne pas pouvoir quitter son salon. Mais je ne pouvais pas laisser cette ambiance anxiogène m’arrêter. Je n’arrivais pas à m’enlever de la tête ces images de jeunes venus des quatre coins du monde descendre dans la rue danser, s’exprimer ! J’avais le sentiment que c’était là que le Break avait sa place, dans la rue. Cette incroyable dissonance qu’il y avait entre nous, qui nous jetions par terre pour danser, et les gens « normaux », qui marchaient et vaquaient à leurs occupations, me fascinait. Quelle excitation de chercher à casser ce rythme, cette conduite sociale ! Durant cet isolement, dans ma gamberge, je me cherchais toujours. Je cherchais à définir mon style, à m’affirmer, à reprendre confiance en moi après tant d’années sans break dans ma vie. J’ai vu cette solitude comme une opportunité
Reprendre confiance était le premier grand pas vers la maitrise de mon style. Un jour, alors que j’étais, comme d’habitude, en train de réfléchir à mon existence, m’est apparue une absurde idée de ce qu’est la danse en soi. J’ai trouvé une sorte de mantra, liant la musique, le corps et l’esprit :

Cela signifie que même si l’environnement n’était pas idéal, l’idéal que je venais d’établir devait rester vrai, quel que soit l’environnement. C’était mon Hip-hop. Alors je me suis demandé pourquoi ne pas essayer quelque chose de différent, quelque part de différent ?

Brockwell Park, un vaste terrain de loisirs circulaire avec des chemins sinueux menant à un café et quelques bancs au sommet d’une colline. Pendant une année entière, j’en ai fait mon jardin. Par moment, tout au long d’une période de 6 mois, vous pouviez me surprendre, Cinnamonstickz, en train de balancer du funk depuis le haut de la colline.
Demander si cette surface est breakable, c’est comme demander si on peut râper du fromage sur une planche de surf waxée (en y réfléchissant, le fromage se râperait bien sur cette surface) : c’est du tarmac pur. Donc, à moins d’avoir une sorte de peau reptilienne assez épaisse, ce n’est pas l’endroit idéal pour se jeter sur le dos. J’y suis allé avec une approche différente, j’ai décidé de n’y faire que des toprock. Cela signifiait qu’il fallait orienter la question « est-ce breakable ? » différemment. Je prêtais attention à la qualité du mouvement de la moitié supérieure de mon corps, en me demandant comment lier cela à ce que mes pieds faisaient simultanément. Les toprocks sont l’introduction de votre style et, pour moi, c’en est devenu le facteur le plus important de ma danse. Je voulais y refléter mon sens de l’imagination, du jeu, je voulais que mes toprocks soient captivants, inventifs, originaux. J’ai commencé à chercher à y intégrer des éléments théâtraux pour raconter une histoire presque shakespearienne, pour vraiment développer l’originalité de mon style.

Un banc dans un parc – cela peut paraître banal, mais ce spot était le lieu où se trouvait la tour de l’horloge de Brockwell, ma belle amie verte dont les aiguilles dysfonctionnaient constamment, rendant mes séances intemporelles. Au départ, je n’avais pas fait grand cas de ce détail. Mais les habitants du sud de Londres, au cours de leurs promenades quotidiennes, s’arrêtaient pour m’observer. J’ai commencé à remarquer que le flux de la vie quotidienne rendait l’espace toujours changeant. Je me souviens m’être toujours demandé, en passant devant ce banc, qui pouvait bien s’asseoir là ? Des gens passeraient-ils de la musique, encore plus forte que je ne pourrais mettre la mienne ? Le soleil est-il en train de percer ce trou parfait dans la ligne des arbres ? La tour verte de l’horloge est devenue plus qu’un endroit temporaire pour s’asseoir. Dans mon monde, c’est devenu un glorieux terrain de jeu et de création, un symbole de liberté. J’appréciais l’énergie énigmatique que je dégageais, étais-je vraiment libre ou simplement fou ? J’étais souvent dérangé par des badauds qui traversaient mon terrain de jeu. Bien que parfois certains promeneurs paraissaient ne pas se soucier de ma présence, c’était comme si la plupart s’étaient en fait donnés pour mission de perturber mon énergie en traversant directement mon espace d’entraînement, alors que j’étais en pleine répétition (un problème que l’on ne rencontre pas dans les endroits plus établis). Mais cela ne me décourageait pas, j’en profitais pour les charrier, comme s’ils m’interpellaient au cours du cypher, en leur lançant des burns. Le week-end, des groupes de musique s’installaient à proximité et Jamaient avec des instruments. Du jazz aux musiques latines, ils me fournissaient de nouveaux accents musicaux et de nouveaux rythmes, qui devenaient bien sûr des élans de spontanéité supplémentaires sur lesquels je pouvais tenter de nouvelles choses.

Comme vous pouvez le constater, la danse est pour moi une pratique essentiellement spirituelle. Ainsi, la plupart du temps, ce qui se passait dans le parc autour de moi n’avait d’importance que lorsque j’y prêtais volontairement attention. Ces moments de réflexion créaient en moi une sorte de catharsis qui se traduisait ensuite dans mon mouvement. Cela me ramène à mon moi shakespearien,

”Ressentir honnêtement (la musique). Profiter de ce qui est unique pour vous (votre corps), puis l’exprimer, comme vous le devez (l’esprit).”

C’est peut-être ce que je pense du Hip-hop. A première vue, ce n’est pas l’endroit le plus idéal pour s’entraîner mais moi, c’est là que j’ai eu l’impression de progresser le plus. Non pas parce que je réussissais de nouveaux combos dingues, mais parce que je trouvais un vrai confort dans mon style, je m’amusais, j’étais inspiré ! C’est là que j’ai trouvé ma voie. Malgré ce sol rude et inhospitalier au premier abord, j’ai découvert qu’il était en fait breakable.
Et c’est ainsi que j’ai envisagé ma question sous un nouvel angle : “Est-ce que c’est breakable ?”. Avant, cette question n’était que bassement liée à la réalité physique du sol : ce dernier se prête-t-il à la pratique du Break ? J’ai lentement réalisé que la vraie question était en fait de se demander : « Puis-je y breaker ? Y a-t-il quelque chose que je puisse faire ici ? » Au lieu de regarder l’espace devant moi et de me demander ce qu’il peut faire pour moi, j’ai commencé à me demander ce que je peux en faire, comment je peux y breaker, comment je peux le dompter. Tout comme ceux qui nous ont précédés l’ont fait avec tous les aspects de cette culture. Que dois-je adapter dans mon style, mon approche, mon physique, ma mentalité ? L’accessibilité pour les artistes est un problème courant, qu’il s’agisse du lieu, du temps, des moyens financiers, etc. Mais souvent, certaines des meilleures œuvres sont produites dans des circonstances limitées, dans des conditions poussant à la créativité, à l’adaptation, à la spontanéité, et c’est exactement ce que pose ma question. Est-ce breakable ? Breaker, c’est surmonter un défi, explorer de nouveaux horizons, se réinventer et ne pas se définir par les limites perçues.
Faire ce que le hip-hop fait de mieux en prenant ce qui est établi et en le changeant. Il n’y a pas qu’une seule façon de breaker et je crois que trouver son propre style apporte un véritable épanouissement dans son art. Cette question vous amène à vous approprier le ressenti qui est en vous, à lui permettre de réagir au monde extérieur et d’utiliser cette intuition pour cultiver votre créativité. C’est ce que je crois que le Hip-hop est dans son essence propre.

Alors prenez un grand souffle, sortez dans le monde et explorez, il y a un endroit qui n’attend que de vous être dévoilé. Au lieu de déployer votre lino partout où vous voulez danser, pourquoi ne pas contacter les autres heureux possesseurs d’un Breakers Magazine, en rassembler une vingtaine au sol pour en faire un tapis, et se demander si c’est breakable ?

Texte par : Tom Cherrie. @cinnamonstickz

Photos par : Tom Cherrie. @cinnamonstickz

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